當飛機穿越雲層，緩緩降落在墨爾本機場的那一刻，我知道，這趟旅程註定不凡。不是為了逃離日常，也並非尋求一場浮光掠影的度假，而是為了——一場展覽。 也許聽起來有些不可思議，僅僅是為了一個展覽，便千里迢迢飛來一座城市。但若你知道這場展覽的名字，便會明白這趟旅程的意義：由波士頓美術館攜手維多利亞國家美術館（NGV），聯袂呈現的《French Impressionism from the Museum of Fine Arts, Boston》—一場穿越時空的光影盛宴，一次視覺與心靈的雙重震撼。而在這趟旅程中，Langham Melbourne，也成了這場藝術朝聖的絕佳落腳點。 一場來自19世紀巴黎的邀請 印象派——這個曾在藝術史上顛覆傳統、顫動時代的辭彙，至今依舊是無數人心中的文化朝聖地標。從莫奈的晨霧與睡蓮，到雷諾阿的陽光與少女，再到德加的芭蕾舞劇與羅丹的大海，每一位大師都在用色彩與光線，訴說著一個有關現代感知的故事。 而此次展覽，正是波士頓美術館罕見的全球巡展之舉，彙集了超過100件真跡作品，覆莫奈、雷諾阿、德加、西斯萊、畢沙羅、莫里索、卡薩特等印象派巨匠的巔峰之作。從風景、肖像、都市生活到田園印象，展覽巧妙地將觀眾引入19世紀末的巴黎——那是一座剛剛告別古典學院、正悄然醞釀現代藝術革命的城市。 NGV作為南半球最具聲望的藝術殿堂，在此次策展中也展現了令人驚嘆的高度與品位。策展團隊並未簡單地按時間線陳列作品，而是將展廳設置成了一個個「19世紀巴黎客廳」的生活場景：天鵝絨扶手椅、老式壁爐、溫暖柔和的燈光，讓觀眾彷彿置身於那個時代的沙龍，與藝術家們共飲一杯香檳，聽他們訴說對光影、色彩與自然的崇敬。 更令人驚喜的是，展覽採用了高度沉浸式的結構，從印象派的萌芽時期，到其在巴黎沙龍的掙扎，再到最終在歐美贏得尊重的歷程，觀眾在一步步的視覺體驗中，真正理解了印象派的「革命」不僅僅在於畫風，更是一種對世界認知方式的革新。 這是一場不容錯過的展覽——不只是因為那些不可多得的真跡，更因為展覽本身就是一場策展美學的典範，彰顯著NGV對於藝術教育、文化傳承的深刻理解與無限尊重。 入住朗廷：一場當代與經典的平衡藝術 旅行的質感，往往藏在你歇腳的地方。 若要在墨爾本挑選一處與這座城市氣質相匹配的住所，Langham，無疑是答案之一。她位於南岸（Southbank），靜卧在雅拉河邊，步行便可到達NGV、藝術中心、皇家植物園等核心文化地標。這裡有著最恰到好處的城市節奏——白天陽光折射河面，夜晚燈火輕映波光，街頭藝人彈唱著爵士，老式有軌電車緩緩駛過，就像這間酒店本身：沉穩、典雅，卻不與時間爭搶風頭。 Langham 的歷史可以追溯至倫敦19世紀的同名傳奇酒店，Victorian 時代的奢華與體面，在那時以「服務貴族之所需」為核心哲學傳承至今。1992年，這個名字首次登陸澳洲，成為墨爾本高端酒店版圖中的重要存在。三十年來，Langham 見證了墨爾本城市面貌的不斷演進，也成為本地社會活動與藝術文化交流的常駐舞台。 酒店的大堂以標誌性的水晶吊燈與大理石樓梯歡迎每一位到訪者，無論清晨或傍晚，酒店始終洋溢著一股靜謐而莊重的香氣——據說是專屬定製的Langham香氛，融合英倫玫瑰與東方琥珀，在不動聲色中喚起一種歸屬感。 我們所入住的房型位於高層，視野開闊，雅拉河與CBD的天際線盡收眼底。白天時，窗外河面波光粼粼，偶爾還能看到有巡航遊船駛過。夜幕降臨時，城市燈火與河面倒影交織成一幅靜謐又富有層次的畫。房間內的布置溫暖舒適，融合了歐式古典與現代實用設計。 早晨，坐在Melba餐廳里享用早餐，陽光透過落地窗灑在新鮮水果與手工麵包上。餐廳視野極佳，靠窗位置可以俯瞰整段雅拉河灣。你可以現場挑選果蔬榨汁，也可以靜靜地喝一杯香濃的澳式咖啡。 酒店的室內恆溫泳池與水療中心，也是不容錯過的一環。泳池旁的玻璃天窗白天通透如畫，夜晚則倒映星光點點。它不像某些連鎖酒店般一味強調效率，而是保留了那份屬於「度假」本應有的儀式感——彷彿提醒著人們：旅行不只是抵達目的地，更是安頓身體與靈魂的過程。 在墨爾本，你可以選擇許多地方留宿；但若你想了解這座城市真正的韻味——那種融合英倫格調與澳洲隨性、市井日常與古典藝術並存的複雜層次，那麼Langham，是值得住上幾夜，細細體會的那一類存在。 它就像墨爾本這座城市文化地圖中的一座燈塔，始終散發著低調而穩定的光。它不僅服務遊客，更服務這座城市的精神質感。 城市如畫，墨爾本的另一種美學 初來墨爾本，一切都與我想像中不同。 它沒有悉尼的熱烈張揚，卻多了一份內斂的優雅；它不疾不徐，彷彿總在用低聲細語講述著自己厚重的文化積澱。從NGV走出，漫步在聖基爾達路與弗林德斯街之間，眼前是文藝復興風格的古典建築，與新古典主義的議會大廈、聖保羅教堂交相輝映。偶爾一輛復古的綠色有軌電車緩緩駛過街角，為這座城市平添一份舊日情懷。 不遠處，是塗鴉巷的另一番模樣，街頭藝術的自由與公共空間的創造力並存，彷彿將現代都市的活力盡收筆下。這裡不僅包容了世界的多元文化，更以一種獨有的方式，構建了屬於墨爾本自己的文化語言。 有人說，墨爾本是一座需要「慢慢愛上」的城市。可我只看了一眼，就已傾心。
七月初的悉尼，還未徹底褪去冬日的微涼，卻因六位女孩的熱情登台，而瞬間點燃了整個夜晚。STAYC——這個以「Star To A Young Culture」為名的韓國女子組合，在全球巡演澳洲站的壓軸場，於悉尼華麗上演。當燈光點亮舞台、尖叫席捲全場，這不僅僅是一場演唱會，更是一場獻給青春、夢想與自我力量的盛大慶典。 從出道之初，STAYC便以「少女氣場」與極具辨識度的音色征服了無數樂迷。她們不追逐過分成熟的性感路線，而是在一眾韓流女團中，以自然清爽的元氣形象、穩定的live實力與近乎完美的團隊默契，獨樹一幟。而本次悉尼站演出，她們將青春的熾熱與自信的張力傾注在這片南半球的舞台上。 當晚的舞台設計簡潔而不失張力，柔和的藍紫色燈光與數字感十足的LED幕牆相得益彰，完美呈現了STAYC世界巡演一貫的視覺美學。舞台中央鋪展開來的，是她們獨屬的色彩宇宙：糖果色的青春、迷幻般的浪漫、熒光閃動的動感，一切如夢初醒，卻又真實觸手可及。 演出伊始便毫不保留地將氣氛推向高潮。開場的燈光亮起，每一次光影的律動都伴隨著歡呼與尖叫。舞台上，六人身著活力十足的服裝，以極高的完成度演繹每一首歌。她們的音樂從不張揚，卻永遠飽含力量，從輕快、甜美，到電子、復古，涵蓋了當代K-pop最具多元與實驗性的聲音結構。而STAYC的表演正如其名：「Star To A Young Culture」——她們是屬於年輕文化的新星，也是為當下世代量身定做的音律共鳴者。 STAYC的表演不在於複雜炫技，而在於細膩的表情管理、爆發力的舞蹈動作與極強的舞台感染力。整場演出在笑聲與淚水中往複橫跳，令人情緒澎湃。 《Teddy Bear》融合輕快hip-hop節奏與電子合成器音效的作品，恰如其分展現出STAYC活力四射的團體氣質。《RUN2U》的舞台光影仿若城市夜景，六人排開站立、伴隨節奏逐步推進，現場觀眾的熒光棒隨節拍律動，宛如星海回應舞台中央的熱情心跳。在那一瞬間，彷彿整個悉尼都在跟著這段旋律起舞，所有語言都失效，只剩青春的共鳴。 值得一提的是，此次演出不僅是視聽的盛宴，更是一場毫無間隙的「情感投射」。在中場互動環節，成員們用略帶可愛的英語與觀眾熱情交流，談及澳洲的藍天、海灘與陽光，也調皮地模仿起本地粉絲的口音，引發台下一陣陣爆笑。 回顧整場演出，STAYC用她們一貫的高能現場、極具風格的舞台表現和毫不做作的個性魅力，給予了悉尼觀眾一場足以銘記的夜晚。而這場演出的意義，遠不止於「韓流偶像的到來」，它更像是一種對青春的再確認、一種跨越語言與文化的默契，一場以笑容與音符為語言的告白。 從首爾到悉尼，從小型舞台到全球巡演，STAYC用她們的方式，一步步定義了屬於「年輕文化」的全新邊界。 「STAYC girls, it』s going down!」
當城市的節奏愈發喧囂，人們對「日常」的定義也在悄然變化。曾經只是採買與便利的購物中心，正以全新的姿態，成為都市生活的溫度出口。煥然一新的Chatswood Chase Sydney在其Fresh Food & Dining板塊上完成了令人驚艷的蛻變——這裡不再只是購物的目的地，而是一場從味蕾延展到感官的「生活體驗式漫遊」。 這個位於悉尼北岸心臟地帶的商業地標，在多年的積澱與革新後，以一座多維度、多時段、多文化交匯的「味覺劇場」重新出場。從天光初照的麵包香氣到深夜燈影下的壽司與雞尾酒，它用超過40家精選品牌，將世界的滋味和在地的節奏，共同編織成一張美味與美感並存的生活網。 食之所向，悉數盡攬 走入Chatswood Chase全新的地下美食層，如同步入一座被細緻打磨的國際美食集市。這裡彙集了Vic』s肉鋪、Astakos魚市、Quattro Deli意式熟食、Yangga韓式便當、Tong Li超市、Scoop Wholefoods等食材臻選地，也不乏各類風格迥異的全球餐飲品牌——從黎巴嫩的Al Aseel、泰國的Abb Air，到日式的Dopa Donburi & Dessert、Taka Sushi、Tamon Sushi，再到韓式炸雞Nomu、越南菜La Viet，以及深受年輕人喜愛的Sandoitchi創意三明治、甜品品牌Butterboy和Dragon Pastry……令人驚喜的選擇幾乎涵蓋了一日三餐與宵夜時段的所有想像。 如果說早上是麵包與咖啡的舞台，那麼晚上則屬於精緻正餐與微醺的氣氛。Al Aseel的招牌烤肉配以香料盈香的熱沙拉，搭配自釀汽泡水；而Fabbrica的蟹肉寬面、現切意式冷肉與自然葡萄酒，則將日常餐飲升級為一場餐桌上的藝術展演。Sweet Lu則是用中式甜點的當代表達勾勒出東方甜味的詩意，招牌抹茶草莓布朗尼夾心曲奇更是引發社交媒體狂熱打卡。 即將開幕的The Mayflower，則像是這場美食盛宴的壓軸高潮。這家從Darlinghurst延伸而來的高級餐廳即將進駐Chatswood Chase，標誌著北岸現代餐飲場域的一次正式躍升。 從設計語言到生活哲學 Chatswood Chase Fresh Food & Dining的成功轉型，並不止於「吃得好」。其空間設計理念，同樣值得細細品味。 建築語言上，它摒棄傳統商場的剛硬線條，以流動的絲帶形態吊頂、拋光大理石檯面、原木與皮革的混搭肌理，將每一家餐飲品牌的個性化表達引入整體敘事中。以西班牙與地中海風格為靈感，輔以自然主義的綠植布局與溫潤光線，營造出一種恰如其分的「靜奢氛圍」。 不同於傳統美食廣場的嘈雜，這裡採用開放式廚房、通透操作區設計，顧客可一邊等待餐點，一邊觀看廚師現場表演切割、調味、炙烤——「食」與「看」不再分離，而是生活的一體兩面。 這裡更像一個都市人群的「新客廳」：有三五好友熱烈討論工作進展的長桌聚會，有母女二人悠然午後的手作甜點體驗，也有老人們在Vic』s肉鋪前與主廚探討牛排厚度的周末閑話……這一切都不被催促、不被打擾，恰恰是現代都市中稀缺的「生活溫度」。 一日之中，自有光陰盛宴 從晨曦初照的現打咖啡和草莓乳酪可頌，到夜幕低垂時的熱拉麵與氣泡酒，Chatswood Chase從早到晚，帶來的是一個完整的生活敘事。 在Calipress點一杯冰鎮檸檬蘇打，或是Machi Machi的奶蓋綠茶；在Quattro Deli挑選進口義大利乳酪、腌橄欖與特級橄欖油，再隨手捎上Butterboy那塊軟糯香酥的曲奇，走出商場，已是滿載一日美味與滿足的溫柔回家路。 特別值得一提的是，這一全新美食空間的運營時間覆蓋「從早到晚」：工作日可以在午餐間隙快速解決一頓精緻輕食，周末夜晚亦可邀三五好友小酌暢談。美食從不打烊，生活也就因此持續豐盈。 更美味，也更智慧的生活主張 Chatswood Chase Fresh Food & Dining的煥新不僅是一次空間重構，更是一場生活哲學的主動表達——在全球飲食文化的豐富融合中，喚醒人們對「食」與「聚」、「買」與「享」的再定義。 以「食」為載體，這裡連接了家庭與個人、朋友與陌生人、傳統與潮流。它不只是悉尼北岸居民的「後廚房」，更是這個城市共同的記憶提煉器。 當我們以一口沙拉、一道甜品、一次集市漫步的方式，慢慢找回對生活的感知時，也許會在不經意間意識到：Chatswood Chase的這場轉變，並非單純的零售更新，而是一座城市溫度的重生。
在悉尼歌劇院的戲劇廳，一場出人意料又妙趣橫生的「演出事故」正在熱烈上演。 自6月19日起至8月3日，來自英國Mischief劇團的經典喜劇《演砸了》（The Play That Goes Wrong）強勢登陸悉尼，帶來近兩個小時毫無冷場的「高能災難現場」。這裡沒有沉重的劇情反轉，也不需要你熟悉複雜的文化背景；只要你願意大笑、想釋放壓力、準備好迎接一場視覺和情緒的奇襲，這部劇，或許正中下懷。 從一開場，觀眾就已經意識到——這不是一部「正常」的舞台劇。劇中劇的設定令人忍俊不禁：一支名為「康利理工戲劇協會」的業餘劇團，決定挑戰演出一部1920年代的正統英式謀殺懸疑劇《哈弗舍姆莊園謀殺案》。按理說，應該是陰雨連綿、古堡兇案、偵探破案……但從幕布升起的那一刻起，事情就走向了完全不可控的方向。 The Play That Goes Wrong （圖：Jordan Munns） 布景塌了，演員撞牆，道具消失，線索混亂，甚至「屍體」都堅持不住頻頻笑場，硬是把一部偵探懸疑劇演成了事故頻發的大型翻車現場。 而可笑的是，所有演員依然「硬著頭皮繼續演」。明知是錯，偏要裝無事發生——這正是《演砸了》最精妙之處：在對劇場事故的無情調侃中，它反而塑造出了一種近乎悲壯的荒誕感。而這種荒誕，是令人開懷的，是你從沒想到「劇場失誤」原來可以這樣令人陶醉。 誕生於2012年的《演砸了》，由倫敦戲劇圈最會搞事情的Mischief劇團編創，自首演以來已風靡49個國家、超過420萬名觀眾，其在倫敦西區更創下了3500多場不間斷演出的紀錄，是當之無愧的現象級劇目。它曾榮獲奧利弗獎最佳新喜劇獎、托尼獎最佳布景設計獎，並一度被評為「全家最值得看的舞台劇之一」。 悉尼版本由一支全新的澳新演員陣容出演，他們精準拿捏了「演得好」與「演得尷尬」的微妙界線——你看得出他們功力深厚，卻偏偏裝作什麼都做不好。這種「故意演砸」的藝術本身就是一場極致控制力的挑戰。而他們做到了。舞台上的每一次「錯誤」，其實都在節奏中被精心編排、重複打磨，最後再以「完全不可預測」的方式呈現出來，笑點層層疊疊，令人捧腹不已。 如果你不熟悉原劇設定也無妨——這是少數幾部「不需要懂英文」也能看得前仰後合的西方劇作之一。劇中台詞雖多，但關鍵笑點靠的是肢體、節奏、表情與舞台效果的精準配合。老少皆宜，不論是年近八旬的爺爺奶奶，亦或是「剛下班只想放空」的上班族，這部劇都能讓他們笑到眼淚直流。 很多觀眾演後在社交媒體留言：「這是我第一次在歌劇院里聽到觀眾笑出豬叫。」而這恰恰證明了一件事——喜劇，不只是幽默，而是療愈。 當我們身處一個總是要維持體面、追求完美的時代，《演砸了》用一種幾近瘋狂的方式告訴我們：生活會出錯，計劃會脫軌，人會摔跤，但我們依舊可以笑著爬起來。就像劇中那些「堅持完成演出」的演員們那樣——哪怕布景塌了，燈光熄了，台詞亂了，依舊不肯放棄，拼盡全力演到最後。 這一次，《演砸了》不僅在悉尼歌劇院上演了一場事故頻發的舞台「災難片」，更給這個城市注入了一種久違的輕盈和幽默感。劇場的燈光亮起、謝幕掌聲雷動的那一刻，觀眾席上每個人的臉上，寫滿了「我真的笑瘋了」。 所以，如果你最近有點累、有點悶、有點難以名狀的倦意，那就來悉尼歌劇院，看看《演砸了》。帶上你的家人、朋友、同事，甚至是那些很久沒有笑出聲的你自己。 時間：6月19日起至8月3日 地點：悉尼歌劇院
在悉尼皇室劇院（Theatre Royal）的燈光逐漸熄滅之際，觀眾席緩緩沉入黑暗。舞台上，一道銀藍色的月光灑落，貓們悄然現身，輕盈、柔軟、神秘，帶領我們踏入一場時光的夢境——《貓》（Cats），這部音樂劇史上的不朽傳說，在2025年迎來其輝煌的第四十個年頭。 《貓》由安德魯·勞埃德·韋伯（Andrew Lloyd Webber）作曲，根據英國詩人T.S.艾略特的詩集《老負鼠講給小貓的貓經》改編，自1981年在倫敦西區首演以來，便迅速席捲全球。它曾連續上演21年，是當時倫敦和百老匯最長演出的音樂劇之一，贏得了7項托尼獎、2項奧利弗獎，並在1997年憑藉票房收入刷新音樂劇歷史。如今，《貓》的名字不僅是一部劇目的代稱，更成為音樂劇文化的一個符號。 這是一部沒有傳統意義上「情節」的音樂劇，卻因其極具詩性和舞台張力的結構，成就了自己獨特的敘事美學。劇中由「傑里克貓」（Jellicle Cats）組成的貓群聚集在一處破敗的垃圾場中，在一年一度的「傑里克之夜」講述著各自的故事。最終，一隻貓將被選中，升上「重生層」，開啟新生。 而這些「貓」的故事，不只是表演者在舞台上的靈動身體，而是他們用音樂、歌聲與肢體，投射出人性中最本質的慾望與孤獨、榮耀與衰敗、夢想與時間。 悉尼的這場40周年紀念演出，是澳洲版《貓》的又一次盛大回歸。舞台復刻了原版的懷舊垃圾場布景，卻融入了更豐富的光影與技術表達。在傳統中找尋更新的觸覺，是這一版《貓》的核心語彙。舞檯燈光彷彿一輪輪月光的轉移，從昏黃破碎的晨曦到銀色傾瀉的午夜，使整個劇院成為一幅靈動的貓之畫卷。 扮演格里澤貝拉（Grizabella）的演員令人動容。這個曾被貓群流放的老貓，在《Memory》的旋律中回望過往的榮光，歌聲中透出的不是一時的悲傷，而是一種極其成熟的內省與孤獨。她的眼神，她的聲音，她顫抖地向同伴們靠近的步伐，讓全場幾乎同時屏息。當那句「This time will be different」再次響起，你幾乎可以感到一個時代在她指尖滑落。 而這也是《貓》始終在舞台上長存的原因——它並不提供結局，而是讓觀眾參與叩問：何為記憶？何為歸屬？我們每個人是否都是一隻尋找「重生之夜」的貓？ 演出特別注重身體的表現與舞蹈的多樣性。年輕演員們以爵士、現代舞、芭蕾、踢踏等多種技法描繪出每隻貓的性格輪廓：愛炫技的Rum Tum Tugger，古靈精怪的Mr. Mistoffelees，曾經風光無限的Bustopher Jones……每一位演員不僅是一隻貓，更是一種能量的象徵。他們在地面翻滾、跳躍、盤旋，如風般迅捷，如月般溫柔。 悉尼的觀眾也給予了最熱情的回應。演出期間，掌聲常常打斷尾音，尤其在Grizabella重唱《Memory》後，觀眾席響起了長達數分鐘的鼓掌。這種跨越語言、文化、代際的共鳴，正是《貓》魅力所在——它能喚起人們心底的某種情感原型，即便你從未讀過艾略特、不了解音樂劇史，也能在貓眼流光中，看見自己的影子。 走齣劇院的那一刻，月亮正好升起在喬治街的盡頭。你會突然意識到：我們並不是剛剛「看完」了一場劇，而是與貓們一同度過了那個等待重生的夜晚。那種感覺，就像是內心的一塊塵封記憶，被輕輕吹開。你不再只是觀眾，而是參與者。 在《貓》四十周年之際，它再次用細膩的感情與紮實的舞台語言證明了自己的不朽：經典不是因為被不斷重複，而是每一次出現都能重新被理解。悉尼的這場演出，不只是一次回顧，更像是一次溫柔的更新，一封寫給過去與未來的情書。 演出信息： 演出名稱：《貓》音樂劇40周年紀念版 演出地點：悉尼皇室劇院（Theatre Royal Sydney） 演出時間：即日起至2025年8月24日
在離悉尼不到兩小時車程的中央海岸，我們找到了一處如夢般的避世之地。那裡沒有旅途奔波的疲憊感，也沒有度假村的喧囂熱鬧。取而代之的，是一種安靜而有序的生活節奏，一種被時間溫柔對待的幸福感。Bells at Killcare，這家藏身於半山林海間的小眾精品酒店，就像是某種被悉心呵護的生活方式，被緩緩攤開在我們的假日之中。 這場三天兩晚的短暫旅程，我們選擇了入住酒店旗下的 The Lodge 房型。比起普通的客房，The Lodge 更像是一棟獨立的別墅——三層高，結構清晰，私密性極佳。推門而入，一隻藤籃已經靜靜掛在門口，裡面是新鮮出爐的手工麵包和當天的報紙。這是一種不動聲色的儀式感，不刻意，但足夠打動人心。 別墅的一層是兩間卧室，各自配有獨立衛浴，浴缸外就是恆溫的私人泳池。我們在黃昏時分泡進溫暖的水裡，看天邊被暈染成玫瑰金色，星星一點點浮現，那一刻，連冬日的空氣都柔軟了起來。二層是開放式廚房和起居空間，設計師顯然對「生活」有著極高的理解，大窗之外，野趣與寧靜共生。我們在這裡做了晚餐，在餐桌上一邊望著遠處的粉紅色晚霞一邊聊天，彷彿把家的溫度帶到了遠方。頂層設有一個觀景台，在清晨與黃昏之間，這裡是我們最私密、也最開闊的精神領地。 當然，一家高品質度假酒店的魅力，並不僅限於住宿空間的舒適。Bells at Killcare真正令人驚艷之處，是它對「食」的理解。 清晨，陽光灑滿窗檯，我們從麵包香中醒來。酒店餐廳坐落於花園旁，清晨先品一口茉莉綠茶，耳邊是窗外鳥鳴。除了早上送到門口的麵包籃，酒店還提供免費早餐。自家麵包坊製作的可頌外皮酥脆，咬下瞬間迸發黃油香。熱騰騰的牛油果吐司，點綴著煙熏北太平洋鱒魚片與流心水波蛋，輔以微妙香草餘韻，清爽卻滿足。無需狼吞虎咽，每一口都是享受儀式。窗外則是芬芳的法式花園、潺潺小湖，還有噴泉造景，猶如置身南法。 而到了下午，酒店又提供免費的下午茶和雞尾酒，在陽台上懶懶地躺著，與好友聊著天，手中酒杯泛著光，日子在風中慢慢晃著，慢得剛剛好。 Bells at Killcare的服務，不是冷冰冰的「五星」水準，而是一種真正沉浸式的「被照料感」。這裡的工作人員不會多話，卻總能在恰好的時機出現——早晨送麵包和報紙，下午幫你預約私廚晚餐。我們出門想去徒步，他們立刻安排專車接送，還會耐心講解沿途的路線。如果走累了，只需一個電話，便有人來接你回酒店，甚至還能送你至下一個徒步點繼續旅程。這樣的周到，不是奢侈，而是一種人性化的關懷。 Bells at Killcare不是那種一眼驚艷的度假勝地。它沒有網紅打卡的誇張裝潢，也不以極致奢華取悅住客。它真正打動人的，是一種生活節奏的轉變——慢下來、靜下來、溫柔下來。這是一種對時間的敬意，也是對自己身心的善待。 離開前的那個早晨，我們依舊是在溫暖的麵包香中醒來，坐在花園邊慢慢喝著茶。那一刻我心中突然浮現出一個詞：「安放」。也許這正是Bells at Killcare的意義——在被繁忙世界攪動的生活中，為你提供一個得以安放靈魂的角落。 若你也在尋找這樣一個地方，一個能同時安撫身心、滋養味蕾，又貼近自然的度假方式，那麼，請將Bells at Killcare記在心裡。它或許不是最張揚的度假地，但卻會是你最捨不得忘記的歸宿。 酒店名稱：Bells at Killcare 網址：https://www.bellsatkillcare.com.au
在悉尼歌劇院壯麗的穹頂之下，夜幕剛落，舞台上燈火通明。觀眾們屏息靜坐，只為迎接一個姓名——郎朗。他的世界級聲譽不需多言，此刻的靜默，便是對他最崇敬的讚美。這段音樂旅程，讓每位在場者真切感受：何謂大師遊刃有餘，又何謂音樂真正「流淌」。 踏上舞台，郎朗身姿穩健，低頭整理譜架的細節散發出謹慎與專註的氣息。謝幕時的掌聲驟響，他微笑致意，卻在每一次彎腰間流露出對舞台的虔誠。此夜，他演繹的是Saint-Saëns的第二鋼琴協奏曲，一部兼具抒情與激情的大作——而他，正是帶領我們遊歷的那位引路人。 第一樂章緩緩展開，弦樂平穩延展，鋼琴聲像清泉自深谷湧出，乾淨、精準。郎朗以極致的節奏掌控，將複雜的節拍與力道融合得恰到好處，不浮不躁，彷彿在訴說一段深情回憶。時而流轉，時而凝固，聽者彷彿墜入旋律的漩渦，無法自拔。 第二樂章，是一次溫柔的心靈對話。琴鍵觸及指尖，音符輕柔如羽，他的音色中有一種圓潤的質感，情感被溫情地撫出輪廓。管弦與鋼琴交織出柔媚織錦，樂聲從喉間滑入心田，不需要大量戲劇性，卻能觸動靈魂深處。 第三樂章開始時，全場安靜到可以聽見呼吸。速度猛然提升，激情澎湃，郎朗的雙手在琴鍵上舞動，彷彿燃起森林火焰。高潮一波接一波，他精準掌控速度與節奏，讓每一個音符都成為爆發的火花。樂章終了，掌聲如潮水般爆發，全體起立，向這位真正遊刃有餘的藝術家致敬。 不過，演奏會的美好不止於此。演出開始前，悉尼交響樂團在Benjamin Northey的帶領下演繹了Debussy的《La Mer》。此曲以其流動感聞名，管弦樂彷彿海浪拍岸，讓人恍若置身無垠海洋。浩瀚與寧靜並存，仿若從靜默中被帶入浩瀚之中。 此外，Boulanger的《春日晨光》則是一場清晨的回憶。輕快跳躍的音符與明亮色彩，讓整個大廳如蘇醒的森林中被陽光喚醒。那一刻，人們彷彿呼吸到初春空氣，滿臉帶著期待微笑。 將這三部作品串連成一體，是對藝術的尊重與表達。從《春日晨光》的清晨，到《大海》的午後，再到Saint-Saëns那逐漸燃起的黃昏與夜晚，情感與時間被精心布置，銜接流暢而自然。郎朗不是只是一個彈奏者，而是一位引領者，帶觀眾走進不同的音樂季節。 而演出當晚觀眾席更是展現熱情。隨著最後一個音符落下，歌劇院里響起了前所未有的歡呼與掌聲，鼓點、吶喊、起立——這是愛的爆發，不只是對郎朗的欽佩，更是對音樂本質的共鳴。在這樣級別的演奏面前，人們終於看清：音樂究竟可以有多強大。這已經不是單純的表演，朗朗是在與樂譜「對話」，用技巧回應靈魂的交流。音樂不僅僅被精準演繹，而是在情感與身體之間流動，在此時此刻發出光芒。 ……然而，演出的驚喜並未隨著聖桑協奏曲的落幕而終止。面對觀眾經久不息的掌聲，朗朗兩次返場，將這場音樂之夜的情感層次推向新的高峰。 第一首返場曲目，是德彪西的《月光》。這首作品幾乎無需多言，是鋼琴文獻中最為柔美動人的篇章之一。而在朗朗指尖，它不再只是輕盈夢幻的印象派佳作，而是化作夜色中的私語，潺潺流入人心。他沒有刻意去渲染情緒，卻讓每一個音符都泛著溫柔的漣漪，像是悉尼港夜風拂面般的安靜撫慰。在那一刻，全場觀眾彷彿集體屏息，只剩下那一輪音符的月色在空中微光蕩漾。 而第二首返場作品，則出人意料地帶來幽默與童趣——改編自迪士尼《三隻小豬》的主題曲《誰怕大野狼》。這是英國鋼琴家霍夫爵士（Sir Stephen Hough）根據弗蘭克·丘吉爾原作改編的版本，在朗朗的手中，這首童謠式旋律搖身一變，成為一場技術與表演力的雙重遊戲。他用琴鍵講故事，模仿對話、製造追逐、調侃恐懼，令人忍俊不禁，也再次印證了他對音樂情境的無限駕馭能力——從月光如水到童心未泯，從古典的純粹到流行的趣味，在這個夜晚，他是樂譜間自由穿行的魔法師。 這是一次真正值回票價的演出。現場體驗是再美好的錄音也無法替代的：來自歌劇院頂棚的迴響，觀眾呼吸和掌聲構成的空氣流動，以及那一瞬間所有人情緒匯聚後的共振——那一刻，音樂成了一種可以被「看見」的存在。
在音樂的世界裡，傳統與現代、東方與西方的交匯，常常孕育出令人驚艷的藝術火花。2025年，《Folk Reimagined: East in Symphony》便是這樣一場跨越文化與時間的音樂盛宴。這場由貴州民族樂團與澳大利亞交響樂團共同呈現的音樂會，不僅融合了中國傳統民間音樂與西方交響樂的精髓，更通過現代遊戲《黑神話：悟空》的靈感，展現了音樂的無限可能。 在這場音樂會的背後，指揮家Luke Spicer扮演了至關重要的角色。他不僅是兩種音樂語言的橋樑，更是東西方文化交流的引路人。在演出前夕，我們有幸對Luke Spicer進行了專訪，聆聽他對這場音樂會的獨特見解與深刻感悟。 Luke Spicer。（圖：官網） 曉宇：這場音樂會被稱為一次大膽的中西音樂傳統的合作。作為客座指揮，您是如何在這兩種截然不同的音樂語言之間找到平衡的？ Luke Spicer：這確實是一場大膽而令人興奮的合作。作為客座指揮，我的首要任務是成為這兩種豐富音樂傳統之間的橋樑。我的方法始於對兩種語言的深刻尊重和好奇心——認識到中國傳統音樂的細膩音色、樂句處理和哲學基礎，以及西方交響樂的結構、和聲和動態感。 我花時間研究樂譜，也與樂器和音樂家們交流——尤其是那些演奏中國傳統樂器的音樂家——以了解他們的發音、調音系統和表現風格是如何自然運作的。排練成為了一個對話的空間：我們探索古箏的樂句如何與西方弦樂部分呼應，或者西方銅管樂器如何在不壓倒二胡或京胡的細膩質感的情況下提供支持。 我的目標不是將兩種傳統同質化，而是讓每種傳統都能真實地表達自己，同時塑造一個連貫的音樂敘事。這需要對平衡、樂句處理，甚至文化節奏——我們可能稱之為不同傳統的音樂「直覺」——的敏感。在最終呈現中，是關於創造一個共享的空間，讓兩種聲音都能被聽見和提升，我為音樂家們在這場演出中展現的合作精神感到無比自豪。 曉宇：在與嗩吶和京胡等中國傳統樂器合作時，您遇到了哪些最令人興奮或具有挑戰性的方面？ Luke Spicer：與嗩吶和京胡等中國傳統樂器在西方交響框架中合作既令人興奮又複雜。作為指揮，最令人興奮的方面之一是發現這些樂器如何為交響樂的色彩和情感強度帶來完全不同的體驗。嗩吶以其尖銳、喜慶的音調，京胡以其富有表現力的高音，為交響樂團帶來了西方樂器難以匹敵的原始、直接的能量。 然而，這些特質也帶來了挑戰——特別是在平衡、調音和合奏整合方面。例如，嗩吶很容易壓倒弦樂部分，如果不加以控制，而京胡則在表達上有不同的時間線，具有微妙的自由節奏和樂句處理，這些不總是與西方的節拍和脈衝完全一致。 我的角色是創造一個空間，讓這些樂器在保留其獨特特性的同時，不破壞樂團的整體協調。這不僅需要調整編曲和動態，還需要促進來自不同傳統的音樂家之間的溝通。這是一種真正的合作，也許最有價值的部分是看到演奏者之間相互尊重的增長，他們深入聆聽彼此，找到共同的音樂語言。 曉宇：這場音樂會的曲目包括受中國四大名著和遊戲《黑神話：悟空》啟發的音樂。您是如何通過音樂解讀這些故事和主題的？ Luke Spicer：作為指揮，我的角色是將敘事轉化為聲音——引導樂團不僅演奏樂譜上的音符，還要體現背後的故事精神。對於受中國四大名著和《黑神話：悟空》啟發的作品，我將音樂視為一種講故事的方式，思考：每個時刻定義的情感、張力或氛圍是什麼？我們如何塑造音樂的樂句、色彩和節奏來反映這些？ 每部小說，甚至遊戲，都提供了一個獨特的世界。例如，《西遊記》具有情節性、常常充滿奇想的能量，我通過動態對比和節奏變化來解讀。《紅樓夢》則帶來更內省、詩意的語調，因此我專註於質感的細膩和細微差別。《黑神話：悟空》則從這些傳統故事中汲取靈感，但通過現代、電影化的視角呈現。這促使我更多地從視覺和戲劇的角度思考——如何建立張力，如何創造規模感和神話感。 在整個過程中，我與樂團密切合作，確保我們不僅僅是在演奏音符，而是在體現角色和景觀——無論是孫悟空的頑皮，林黛玉的悲劇，還是戰鬥場景的史詩氣勢。指揮這個節目就像是用音樂作為連接它們的語言，為古代和現代的傳奇注入生命。 曉宇：與被聯合國教科文組織列為非物質文化遺產的貴州侗族大歌合唱團合作，您有何感受？ Luke Spicer：與貴州侗族大歌合唱團的合作是一種非凡的體驗。作為指揮，我以對他們的音樂傳統的深深敬意來對待這次合作，特別是考慮到他們被聯合國教科文組織列為非物質文化遺產的地位。他們的歌唱不僅僅是音樂——它是社區、歷史和身份的活生生的表達。 從一開始，我就被侗族多聲部合唱的自然、無伴奏的和聲所打動。這讓我以不同的方式思考平衡和質感。他們的聲音不是建立在西方和聲的傳統上，因此我不是試圖將他們納入交響樂的模式，而是努力構建一個支持和放大他們真實性的交響空間。這通常意味著退後一步，讓他們的聲音引領，並圍繞他們重新塑造樂團的角色。 最有價值的方面之一是他們的排練和表演方式——作為一個集體，具有直覺的時機和呼吸。我發現自己在調整指揮風格，變得更加流暢，更多地傾聽而不是指揮。這不僅僅是關於精確性，而是關於存在感。在每一個時刻，這種合作感覺就像是通過聲音進行的文化交流。我們不僅僅是在融合傳統——我們在彼此學習，創造出既古老又新穎的東西。這令人謙卑，鼓舞人心，也提醒我為什麼我熱愛這份工作。 曉宇：您領導著來自不同文化和音樂背景的70多位音樂家。在排練過程中，您是如何建立共同的音樂語言的？ Luke Spicer：領導來自不同文化和音樂背景的70多位音樂家既是一種特權，也是一種創造性的挑戰。在排練中，我的首要任務是創造一個相互尊重和好奇的空間。這些音樂家帶來了各種各樣的傳統、技巧和聆聽方式，因此我既是翻譯者，也是統一者——幫助我們找到共同的音樂語言，而不要求任何人失去自己的身份。 曉宇：您認為這種文化合作對交響樂的未來有何意義？ Luke Spicer：我相信，這樣的合作通過重新定義交響樂團的可能性，拓展了交響樂的未來。當來自不同文化背景的音樂家聚集在一起時，我們不僅僅是在融合風格——我們在挑戰長期以來對聲音、結構和講故事的假設。這些交流為音樂會體驗注入了新的活力，引入了與西方古典傳統同樣豐富和複雜的陌生音色和音樂製作方式。 更重要的是，這種合作培養了一種開放的精神——在音樂和社會層面。它邀請作曲家、表演者和聽眾想像新的可能性，在那裡，文化交流成為創造的引擎，而不是新奇。作為指揮，我將其視為朝著更具包容性和全球相關性的交響樂景觀邁出的一步——一個反映我們世界多樣性，並有能力跨越邊界和世代連接人們的景觀。 當我們站在這場音樂盛會即將拉開帷幕的門檻上，那些尚未奏響的旋律、尚未交匯的眼神、尚未被打動的心，正靜靜等待屬於它們的時刻。《Folk Reimagined: East in Symphony》不僅是一場演出，它是一次文化的邀約，是一場用聲音譜寫的對話。 在這個變動不居的時代，我們或許更需要這樣一場音樂的「重構」——不是將舊物推倒重來，而是以尊重與熱情，在舊與新、東方與西方之間，搭建起更遼闊的橋樑。而這，正是這場音樂會最動人的意義所在。 演出信息 演出時間： 2025年7月7日 19:30 演出地點： 悉尼歌劇院 票價： $71起
2025年6月4日傍晚，細雨不斷，氣溫低迷。儘管天氣寒冷潮濕，但在中國駐悉尼總領事館門前，燭光仍緩緩亮起。在「澳紐中共政權受害者聯盟」的號召下，來自中國大陸、香港、台灣、西藏、維吾爾等多個社區的約三百名人士，不畏寒雨聚集一堂，共同紀念「六四」事件36周年。這是一場跨越地域與身份的公民行動，更是一場跨越時代的精神接力。 （2025年六四事件紀念活動現場。圖：曉宇） 2025年是「六四」天安門事件的第36個年頭。對於不少華人而言，那一夜的記憶仍清晰如昨，而當晚的悉尼，用寒冷與雨水提醒著人們：歷史或許久遠，但未曾過去。人群中既有年年不缺席的老面孔，也不乏帶著堅定眼神的年輕一代。他們共同在雨中站立，用蠟燭、橫幅與歌聲，紀念那個鮮血淋漓的夜晚，也訴說著今日的希望。 （2025年六四事件紀念活動現場。圖：曉宇） 據氣象台數據顯示，6月4日是悉尼近期最寒冷的一天，最高氣溫僅11度，間歇性降雨貫穿了整個傍晚至夜晚。然而，惡劣的天氣並未澆滅民眾的熱情。遊行活動於晚上6點開始，約300人陸續聚集至中領館外，不少人攜帶雨衣、雨傘及手電筒，更有不少年長者與小孩一同前來。 （2025年六四事件紀念活動現場。圖：曉宇） 現場的演講者涵蓋各個族群與世代，活動主持人陳用林在講話中指出，這不僅是一場對過往歷史的緬懷，更是對今日時代精神的傳遞。他說：「我們不只是為了紀念1989年的那一夜，而是在向世界宣告：我們仍在場，我們仍相信自由、民主、人權。」 （活動主持人陳用林，圖：曉宇） （台灣同鄉會會長謝明君會長。圖：曉宇） （2025年六四事件紀念活動現場。圖：曉宇） 人群中，來自香港的陳先生告訴記者，自己已經連續多年參加悉尼的「六四」紀念活動：「我在1997年以前，每年都去維多利亞公園參加悼念。移民來澳洲後，每年也都不缺席。今年是第36年，我感到很欣慰，看到這麼多年紀輕輕的朋友們加入進來，接過這面旗幟。」他表示，除了六四，他平時也在積极參与其他民主活動。 悉尼科技大學教授馮崇義教授在接受本報採訪時稱，「六四」紀念活動具有三層深遠意義：「第一，是緬懷成千上萬在1989年犧牲的英烈；第二，是繼承那場運動所代表的時代精神——追求民主、自由、法治，這不只是中國人的精神，更是一種全球性的信仰；第三，是反思與學習——那場運動為何未能成功？我們如何才能在今日的現實中繼續推進它未竟的事業？」 （悉尼科技大學教授馮崇義教授，圖：曉宇） 他特別感謝當晚眾多年輕人的參與。「在中共長期的打壓下，人們逐漸陷入恐懼與冷漠，尤其是近幾年疫情之後，我們看到政府對人民控制的方式愈發深化。此刻還有這麼多年輕人站出來，這讓我倍感欣慰。」 弘藏南極星基金會執行長夏益告訴記者，他1989年就來到澳洲，幾乎每年都會參加六四的紀念活動。「讀書的時候有一兩年錯過了，但總體來說已經參加了三十年了。」他說自己是一名普通上班族，當天是下班後趕來的，風雨無阻。 澳大利亞維吾爾協會發言人Bahtiyar Bora對本報記者表示，「我已經是第五年參加這樣的紀念活動了，今年看到這麼多人一起來，真的非常感動。我們來自不同的地方——西藏、香港、台灣、維吾爾族、蒙古族——但我們有一個共同的理想，那就是自由。」 （澳大利亞維吾爾協會發言人Bahtiyar Bora，圖：曉宇） 這樣的紀念活動不僅僅對在中國大地上生活的人意義非凡，「而是針對世界上所有追求民主，追求自由的人。今天我們在這裡紀念的，不只是六四的英烈，更是為了讓下一代能過上自由、公正、有尊嚴的生活。」 活動中，也有不少年輕人參與。一對來自香港的情侶告訴記者，他們已經是第五次參加六四紀念。「我們希望通過這種方式，不要讓歷史被遺忘。每一次參與，都是一次自我提醒：我們不是旁觀者。」他們相信，紀念活動的意義在於「銘記過去、激勵現在」，也是一種代際之間的信仰傳承。 活動在晚間約八點半接近尾聲。人們手中亮起電子蠟燭，圍繞中國駐悉尼總領館緩緩走了一圈。燭光反射在濕漉漉的地面上，彷彿是一條緩慢流動的河——一條連接記憶與未來的河流。 （2025年六四事件紀念活動現場。圖：曉宇） 「六四」事件已經過去了36年，對於今天出生的年輕人來說，那可能是一頁陌生的歷史。但每年的紀念活動仍在提醒我們，它仍是活著的記憶。它穿越時間，被一代代人悄悄接住。紀念不是仇恨的延續，而是公民意識的種子。當我們在雨中站立，不是為了回到1989年，而是為了在2025年，依然能說出：我們記得。 在這個信息被審查的時代，表達本身就是一種抵抗。在這個容易遺忘的世界裡，紀念是一種堅持。在漫長的冬夜與風雨之中，300人用自己的方式回應了這段歷史。他們的腳步或許緩慢，他們的聲音或許不夠響亮，但那一圈繞館的燭光，已經照亮了一代人的堅守與希望。
在華燈初上的悉尼港灣，當音樂在歌劇院穹頂下緩緩響起，一場關於愛情、權力與智慧的喜劇風暴即將席捲而來。2025年7月31日至8月27日，由澳大利亞歌劇院（Opera Australia）傾情呈現的莫扎特經典歌劇《費加羅的婚禮》（The Marriage of Figaro）將在瓊·瑟澤蘭劇院（Joan Sutherland Theatre）盛大上演，邀觀眾走入17世紀的貴族莊園，在荒謬錯認與精妙設計中，體驗人性中最幽默又最真實的篇章。 《費加羅的婚禮》是莫扎特最具代表性的歌劇之一，改編自法國劇作家博馬舍的同名戲劇，講述聰明機智的僕人費加羅與美麗侍女蘇珊娜即將步入婚姻殿堂之際，卻意外捲入主子——風流不羈的阿瑪維瓦伯爵——的覬覦和陰謀。故事發生在僅僅一天之內，卻層層翻轉、錯綜複雜，真假身份混淆不清，謊言與真情交織成一幅喜劇的狂想曲。 在這部「看似鬧劇、實則鋒利」的作品中，莫扎特不僅用流暢動聽的旋律描繪情感變化，更在音樂背後，諷刺了權貴的專橫、表達了對自由與愛情的謳歌。那一曲曲耳熟能詳的旋律，如《給我一個小夜曲》《美麗時光將如夢一般到來》，不僅是歌劇舞台上的不朽旋律，也是穿越時間的情感共鳴。 此次澳大利亞歌劇院傾力邀請多位國際與本土實力歌唱家聯合出演，堪稱一場聲音的饕餮盛宴。加拿大男中音Gordon Bintner與美國男低音Michael Sumuel將首次登上澳洲舞台，飾演費加羅與伯爵。而本土明星如Kiandra Howarth、Siobhan Stagg、Emily Edmonds和Jane Ede，也將分別出演蘇珊娜、伯爵夫人及其他關鍵角色，為這部群像劇注入多彩靈魂。 本次演出由久負盛名的英國導演大衛·麥克維卡（Sir David McVicar）執導，他以寫實自然的舞颱風格著稱，將17世紀歐洲貴族生活的細節還原得淋漓盡致。觀眾將沉浸於層層疊疊的裙擺、古典油畫般的布景，以及如同機關戲一般的舞台調度之中，彷彿真的走入一座貴族莊園的婚禮現場。 作為莫扎特最容易入門的歌劇之一，《費加羅的婚禮》以生動的劇情和朗朗上口的旋律贏得全球觀眾喜愛。它沒有晦澀的哲理，也不需前置的專業知識，只需帶上一份好奇與一顆放鬆的心，就能在劇院中獲得愉悅、驚訝與感動。 無論你是第一次踏入歌劇世界，還是已經沉醉於古典音樂的魅力，這一場《費加羅的婚禮》，都將是2025年冬季不容錯過的藝術盛事。 而此次，小編也為讀者朋友們爭取到了福利！您只需要將您的郵箱、姓名以簡訊的形式發到我們的客服手機號上0466 979 437。我們會在7月28日前抽出兩位幸運的讀者朋友，每人送上一份免費的雙人票。 演出地點：Joan Sutherland Theatre, Sydney Opera House 演出時間：2025年7月31日 – 8月27日（具體場次請參考官網） 購票方式：請前往 Sydney Opera House 官網 或 Opera Australia 官方渠道訂票
