在悉尼歌剧院的戏剧厅，一场出人意料又妙趣横生的“演出事故”正在热烈上演。 自6月19日起至8月3日，来自英国Mischief剧团的经典喜剧《演砸了》（The Play That Goes Wrong）强势登陆悉尼，带来近两个小时毫无冷场的“高能灾难现场”。这里没有沉重的剧情反转，也不需要你熟悉复杂的文化背景；只要你愿意大笑、想释放压力、准备好迎接一场视觉和情绪的奇袭，这部剧，或许正中下怀。 从一开场，观众就已经意识到——这不是一部“正常”的舞台剧。剧中剧的设定令人忍俊不禁：一支名为“康利理工戏剧协会”的业余剧团，决定挑战演出一部1920年代的正统英式谋杀悬疑剧《哈弗舍姆庄园谋杀案》。按理说，应该是阴雨连绵、古堡凶案、侦探破案……但从幕布升起的那一刻起，事情就走向了完全不可控的方向。 The Play That Goes Wrong （图：Jordan Munns） 布景塌了，演员撞墙，道具消失，线索混乱，甚至“尸体”都坚持不住频频笑场，硬是把一部侦探悬疑剧演成了事故频发的大型翻车现场。 而可笑的是，所有演员依然“硬着头皮继续演”。明知是错，偏要装无事发生——这正是《演砸了》最精妙之处：在对剧场事故的无情调侃中，它反而塑造出了一种近乎悲壮的荒诞感。而这种荒诞，是令人开怀的，是你从没想到“剧场失误”原来可以这样令人陶醉。 诞生于2012年的《演砸了》，由伦敦戏剧圈最会搞事情的Mischief剧团编创，自首演以来已风靡49个国家、超过420万名观众，其在伦敦西区更创下了3500多场不间断演出的纪录，是当之无愧的现象级剧目。它曾荣获奥利弗奖最佳新喜剧奖、托尼奖最佳布景设计奖，并一度被评为“全家最值得看的舞台剧之一”。 悉尼版本由一支全新的澳新演员阵容出演，他们精准拿捏了“演得好”与“演得尴尬”的微妙界线——你看得出他们功力深厚，却偏偏装作什么都做不好。这种“故意演砸”的艺术本身就是一场极致控制力的挑战。而他们做到了。舞台上的每一次“错误”，其实都在节奏中被精心编排、重复打磨，最后再以“完全不可预测”的方式呈现出来，笑点层层叠叠，令人捧腹不已。 如果你不熟悉原剧设定也无妨——这是少数几部“不需要懂英文”也能看得前仰后合的西方剧作之一。剧中台词虽多，但关键笑点靠的是肢体、节奏、表情与舞台效果的精准配合。老少皆宜，不论是年近八旬的爷爷奶奶，亦或是“刚下班只想放空”的上班族，这部剧都能让他们笑到眼泪直流。 很多观众演后在社交媒体留言：“这是我第一次在歌剧院里听到观众笑出猪叫。”而这恰恰证明了一件事——喜剧，不只是幽默，而是疗愈。 当我们身处一个总是要维持体面、追求完美的时代，《演砸了》用一种几近疯狂的方式告诉我们：生活会出错，计划会脱轨，人会摔跤，但我们依旧可以笑着爬起来。就像剧中那些“坚持完成演出”的演员们那样——哪怕布景塌了，灯光熄了，台词乱了，依旧不肯放弃，拼尽全力演到最后。 这一次，《演砸了》不仅在悉尼歌剧院上演了一场事故频发的舞台“灾难片”，更给这个城市注入了一种久违的轻盈和幽默感。剧场的灯光亮起、谢幕掌声雷动的那一刻，观众席上每个人的脸上，写满了“我真的笑疯了”。 所以，如果你最近有点累、有点闷、有点难以名状的倦意，那就来悉尼歌剧院，看看《演砸了》。带上你的家人、朋友、同事，甚至是那些很久没有笑出声的你自己。 时间：6月19日起至8月3日 地点：悉尼歌剧院
在悉尼皇室剧院（Theatre Royal）的灯光逐渐熄灭之际，观众席缓缓沉入黑暗。舞台上，一道银蓝色的月光洒落，猫们悄然现身，轻盈、柔软、神秘，带领我们踏入一场时光的梦境——《猫》（Cats），这部音乐剧史上的不朽传说，在2025年迎来其辉煌的第四十个年头。 《猫》由安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber）作曲，根据英国诗人T.S.艾略特的诗集《老负鼠讲给小猫的猫经》改编，自1981年在伦敦西区首演以来，便迅速席卷全球。它曾连续上演21年，是当时伦敦和百老汇最长演出的音乐剧之一，赢得了7项托尼奖、2项奥利弗奖，并在1997年凭借票房收入刷新音乐剧历史。如今，《猫》的名字不仅是一部剧目的代称，更成为音乐剧文化的一个符号。 这是一部没有传统意义上“情节”的音乐剧，却因其极具诗性和舞台张力的结构，成就了自己独特的叙事美学。剧中由“杰里克猫”（Jellicle Cats）组成的猫群聚集在一处破败的垃圾场中，在一年一度的“杰里克之夜”讲述着各自的故事。最终，一只猫将被选中，升上“重生层”，开启新生。 而这些“猫”的故事，不只是表演者在舞台上的灵动身体，而是他们用音乐、歌声与肢体，投射出人性中最本质的欲望与孤独、荣耀与衰败、梦想与时间。 悉尼的这场40周年纪念演出，是澳洲版《猫》的又一次盛大回归。舞台复刻了原版的怀旧垃圾场布景，却融入了更丰富的光影与技术表达。在传统中找寻更新的触觉，是这一版《猫》的核心语汇。舞台灯光仿佛一轮轮月光的转移，从昏黄破碎的晨曦到银色倾泻的午夜，使整个剧院成为一幅灵动的猫之画卷。 扮演格里泽贝拉（Grizabella）的演员令人动容。这个曾被猫群流放的老猫，在《Memory》的旋律中回望过往的荣光，歌声中透出的不是一时的悲伤，而是一种极其成熟的内省与孤独。她的眼神，她的声音，她颤抖地向同伴们靠近的步伐，让全场几乎同时屏息。当那句“This time will be different”再次响起，你几乎可以感到一个时代在她指尖滑落。 而这也是《猫》始终在舞台上长存的原因——它并不提供结局，而是让观众参与叩问：何为记忆？何为归属？我们每个人是否都是一只寻找“重生之夜”的猫？ 演出特别注重身体的表现与舞蹈的多样性。年轻演员们以爵士、现代舞、芭蕾、踢踏等多种技法描绘出每只猫的性格轮廓：爱炫技的Rum Tum Tugger，古灵精怪的Mr. Mistoffelees，曾经风光无限的Bustopher Jones……每一位演员不仅是一只猫，更是一种能量的象征。他们在地面翻滚、跳跃、盘旋，如风般迅捷，如月般温柔。 悉尼的观众也给予了最热情的回应。演出期间，掌声常常打断尾音，尤其在Grizabella重唱《Memory》后，观众席响起了长达数分钟的鼓掌。这种跨越语言、文化、代际的共鸣，正是《猫》魅力所在——它能唤起人们心底的某种情感原型，即便你从未读过艾略特、不了解音乐剧史，也能在猫眼流光中，看见自己的影子。 走出剧院的那一刻，月亮正好升起在乔治街的尽头。你会突然意识到：我们并不是刚刚“看完”了一场剧，而是与猫们一同度过了那个等待重生的夜晚。那种感觉，就像是内心的一块尘封记忆，被轻轻吹开。你不再只是观众，而是参与者。 在《猫》四十周年之际，它再次用细腻的感情与扎实的舞台语言证明了自己的不朽：经典不是因为被不断重复，而是每一次出现都能重新被理解。悉尼的这场演出，不只是一次回顾，更像是一次温柔的更新，一封写给过去与未来的情书。 演出信息： 演出名称：《猫》音乐剧40周年纪念版 演出地点：悉尼皇室剧院（Theatre Royal Sydney） 演出时间：即日起至2025年8月24日
在离悉尼不到两小时车程的中央海岸，我们找到了一处如梦般的避世之地。那里没有旅途奔波的疲惫感，也没有度假村的喧嚣热闹。取而代之的，是一种安静而有序的生活节奏，一种被时间温柔对待的幸福感。Bells at Killcare，这家藏身于半山林海间的小众精品酒店，就像是某种被悉心呵护的生活方式，被缓缓摊开在我们的假日之中。 这场三天两晚的短暂旅程，我们选择了入住酒店旗下的 The Lodge 房型。比起普通的客房，The Lodge 更像是一栋独立的别墅——三层高，结构清晰，私密性极佳。推门而入，一只藤篮已经静静挂在门口，里面是新鲜出炉的手工面包和当天的报纸。这是一种不动声色的仪式感，不刻意，但足够打动人心。 别墅的一层是两间卧室，各自配有独立卫浴，浴缸外就是恒温的私人泳池。我们在黄昏时分泡进温暖的水里，看天边被晕染成玫瑰金色，星星一点点浮现，那一刻，连冬日的空气都柔软了起来。二层是开放式厨房和起居空间，设计师显然对“生活”有着极高的理解，大窗之外，野趣与宁静共生。我们在这里做了晚餐，在餐桌上一边望着远处的粉红色晚霞一边聊天，仿佛把家的温度带到了远方。顶层设有一个观景台，在清晨与黄昏之间，这里是我们最私密、也最开阔的精神领地。 当然，一家高品质度假酒店的魅力，并不仅限于住宿空间的舒适。Bells at Killcare真正令人惊艳之处，是它对“食”的理解。 清晨，阳光洒满窗台，我们从面包香中醒来。酒店餐厅坐落于花园旁，清晨先品一口茉莉绿茶，耳边是窗外鸟鸣。除了早上送到门口的面包篮，酒店还提供免费早餐。自家面包坊制作的可颂外皮酥脆，咬下瞬间迸发黄油香。热腾腾的牛油果吐司，点缀着烟熏北太平洋鳟鱼片与流心水波蛋，辅以微妙香草余韵，清爽却满足。无需狼吞虎咽，每一口都是享受仪式。窗外则是芬芳的法式花园、潺潺小湖，还有喷泉造景，犹如置身南法。 而到了下午，酒店又提供免费的下午茶和鸡尾酒，在阳台上懒懒地躺着，与好友聊着天，手中酒杯泛着光，日子在风中慢慢晃着，慢得刚刚好。 Bells at Killcare的服务，不是冷冰冰的“五星”水准，而是一种真正沉浸式的“被照料感”。这里的工作人员不会多话，却总能在恰好的时机出现——早晨送面包和报纸，下午帮你预约私厨晚餐。我们出门想去徒步，他们立刻安排专车接送，还会耐心讲解沿途的路线。如果走累了，只需一个电话，便有人来接你回酒店，甚至还能送你至下一个徒步点继续旅程。这样的周到，不是奢侈，而是一种人性化的关怀。 Bells at Killcare不是那种一眼惊艳的度假胜地。它没有网红打卡的夸张装潢，也不以极致奢华取悦住客。它真正打动人的，是一种生活节奏的转变——慢下来、静下来、温柔下来。这是一种对时间的敬意，也是对自己身心的善待。 离开前的那个早晨，我们依旧是在温暖的面包香中醒来，坐在花园边慢慢喝着茶。那一刻我心中突然浮现出一个词：“安放”。也许这正是Bells at Killcare的意义——在被繁忙世界搅动的生活中，为你提供一个得以安放灵魂的角落。 若你也在寻找这样一个地方，一个能同时安抚身心、滋养味蕾，又贴近自然的度假方式，那么，请将Bells at Killcare记在心里。它或许不是最张扬的度假地，但却会是你最舍不得忘记的归宿。 酒店名称：Bells at Killcare 网址：https://www.bellsatkillcare.com.au
在悉尼歌剧院壮丽的穹顶之下，夜幕刚落，舞台上灯火通明。观众们屏息静坐，只为迎接一个姓名——郎朗。他的世界级声誉不需多言，此刻的静默，便是对他最崇敬的赞美。这段音乐旅程，让每位在场者真切感受：何谓大师游刃有余，又何谓音乐真正“流淌”。 踏上舞台，郎朗身姿稳健，低头整理谱架的细节散发出谨慎与专注的气息。谢幕时的掌声骤响，他微笑致意，却在每一次弯腰间流露出对舞台的虔诚。此夜，他演绎的是Saint-Saëns的第二钢琴协奏曲，一部兼具抒情与激情的大作——而他，正是带领我们游历的那位引路人。 第一乐章缓缓展开，弦乐平稳延展，钢琴声像清泉自深谷涌出，干净、精准。郎朗以极致的节奏掌控，将复杂的节拍与力道融合得恰到好处，不浮不躁，仿佛在诉说一段深情回忆。时而流转，时而凝固，听者仿佛坠入旋律的漩涡，无法自拔。 第二乐章，是一次温柔的心灵对话。琴键触及指尖，音符轻柔如羽，他的音色中有一种圆润的质感，情感被温情地抚出轮廓。管弦与钢琴交织出柔媚织锦，乐声从喉间滑入心田，不需要大量戏剧性，却能触动灵魂深处。 第三乐章开始时，全场安静到可以听见呼吸。速度猛然提升，激情澎湃，郎朗的双手在琴键上舞动，仿佛燃起森林火焰。高潮一波接一波，他精准掌控速度与节奏，让每一个音符都成为爆发的火花。乐章终了，掌声如潮水般爆发，全体起立，向这位真正游刃有余的艺术家致敬。 不过，演奏会的美好不止于此。演出开始前，悉尼交响乐团在Benjamin Northey的带领下演绎了Debussy的《La Mer》。此曲以其流动感闻名，管弦乐仿佛海浪拍岸，让人恍若置身无垠海洋。浩瀚与宁静并存，仿若从静默中被带入浩瀚之中。 此外，Boulanger的《春日晨光》则是一场清晨的回忆。轻快跳跃的音符与明亮色彩，让整个大厅如苏醒的森林中被阳光唤醒。那一刻，人们仿佛呼吸到初春空气，满脸带着期待微笑。 将这三部作品串连成一体，是对艺术的尊重与表达。从《春日晨光》的清晨，到《大海》的午后，再到Saint-Saëns那逐渐燃起的黄昏与夜晚，情感与时间被精心布置，衔接流畅而自然。郎朗不是只是一个弹奏者，而是一位引领者，带观众走进不同的音乐季节。 而演出当晚观众席更是展现热情。随着最后一个音符落下，歌剧院里响起了前所未有的欢呼与掌声，鼓点、呐喊、起立——这是爱的爆发，不只是对郎朗的钦佩，更是对音乐本质的共鸣。在这样级别的演奏面前，人们终于看清：音乐究竟可以有多强大。这已经不是单纯的表演，朗朗是在与乐谱“对话”，用技巧回应灵魂的交流。音乐不仅仅被精准演绎，而是在情感与身体之间流动，在此时此刻发出光芒。 ……然而，演出的惊喜并未随着圣桑协奏曲的落幕而终止。面对观众经久不息的掌声，朗朗两次返场，将这场音乐之夜的情感层次推向新的高峰。 第一首返场曲目，是德彪西的《月光》。这首作品几乎无需多言，是钢琴文献中最为柔美动人的篇章之一。而在朗朗指尖，它不再只是轻盈梦幻的印象派佳作，而是化作夜色中的私语，潺潺流入人心。他没有刻意去渲染情绪，却让每一个音符都泛着温柔的涟漪，像是悉尼港夜风拂面般的安静抚慰。在那一刻，全场观众仿佛集体屏息，只剩下那一轮音符的月色在空中微光荡漾。 而第二首返场作品，则出人意料地带来幽默与童趣——改编自迪士尼《三只小猪》的主题曲《谁怕大野狼》。这是英国钢琴家霍夫爵士（Sir Stephen Hough）根据弗兰克·丘吉尔原作改编的版本，在朗朗的手中，这首童谣式旋律摇身一变，成为一场技术与表演力的双重游戏。他用琴键讲故事，模仿对话、制造追逐、调侃恐惧，令人忍俊不禁，也再次印证了他对音乐情境的无限驾驭能力——从月光如水到童心未泯，从古典的纯粹到流行的趣味，在这个夜晚，他是乐谱间自由穿行的魔法师。 这是一次真正值回票价的演出。现场体验是再美好的录音也无法替代的：来自歌剧院顶棚的回响，观众呼吸和掌声构成的空气流动，以及那一瞬间所有人情绪汇聚后的共振——那一刻，音乐成了一种可以被“看见”的存在。
在音乐的世界里，传统与现代、东方与西方的交汇，常常孕育出令人惊艳的艺术火花。2025年，《Folk Reimagined: East in Symphony》便是这样一场跨越文化与时间的音乐盛宴。这场由贵州民族乐团与澳大利亚交响乐团共同呈现的音乐会，不仅融合了中国传统民间音乐与西方交响乐的精髓，更通过现代游戏《黑神话：悟空》的灵感，展现了音乐的无限可能。 在这场音乐会的背后，指挥家Luke Spicer扮演了至关重要的角色。他不仅是两种音乐语言的桥梁，更是东西方文化交流的引路人。在演出前夕，我们有幸对Luke Spicer进行了专访，聆听他对这场音乐会的独特见解与深刻感悟。 Luke Spicer。（图：官网） 晓宇：这场音乐会被称为一次大胆的中西音乐传统的合作。作为客座指挥，您是如何在这两种截然不同的音乐语言之间找到平衡的？ Luke Spicer：这确实是一场大胆而令人兴奋的合作。作为客座指挥，我的首要任务是成为这两种丰富音乐传统之间的桥梁。我的方法始于对两种语言的深刻尊重和好奇心——认识到中国传统音乐的细腻音色、乐句处理和哲学基础，以及西方交响乐的结构、和声和动态感。 我花时间研究乐谱，也与乐器和音乐家们交流——尤其是那些演奏中国传统乐器的音乐家——以了解他们的发音、调音系统和表现风格是如何自然运作的。排练成为了一个对话的空间：我们探索古筝的乐句如何与西方弦乐部分呼应，或者西方铜管乐器如何在不压倒二胡或京胡的细腻质感的情况下提供支持。 我的目标不是将两种传统同质化，而是让每种传统都能真实地表达自己，同时塑造一个连贯的音乐叙事。这需要对平衡、乐句处理，甚至文化节奏——我们可能称之为不同传统的音乐“直觉”——的敏感。在最终呈现中，是关于创造一个共享的空间，让两种声音都能被听见和提升，我为音乐家们在这场演出中展现的合作精神感到无比自豪。 晓宇：在与唢呐和京胡等中国传统乐器合作时，您遇到了哪些最令人兴奋或具有挑战性的方面？ Luke Spicer：与唢呐和京胡等中国传统乐器在西方交响框架中合作既令人兴奋又复杂。作为指挥，最令人兴奋的方面之一是发现这些乐器如何为交响乐的色彩和情感强度带来完全不同的体验。唢呐以其尖锐、喜庆的音调，京胡以其富有表现力的高音，为交响乐团带来了西方乐器难以匹敌的原始、直接的能量。 然而，这些特质也带来了挑战——特别是在平衡、调音和合奏整合方面。例如，唢呐很容易压倒弦乐部分，如果不加以控制，而京胡则在表达上有不同的时间线，具有微妙的自由节奏和乐句处理，这些不总是与西方的节拍和脉冲完全一致。 我的角色是创造一个空间，让这些乐器在保留其独特特性的同时，不破坏乐团的整体协调。这不仅需要调整编曲和动态，还需要促进来自不同传统的音乐家之间的沟通。这是一种真正的合作，也许最有价值的部分是看到演奏者之间相互尊重的增长，他们深入聆听彼此，找到共同的音乐语言。 晓宇：这场音乐会的曲目包括受中国四大名著和游戏《黑神话：悟空》启发的音乐。您是如何通过音乐解读这些故事和主题的？ Luke Spicer：作为指挥，我的角色是将叙事转化为声音——引导乐团不仅演奏乐谱上的音符，还要体现背后的故事精神。对于受中国四大名著和《黑神话：悟空》启发的作品，我将音乐视为一种讲故事的方式，思考：每个时刻定义的情感、张力或氛围是什么？我们如何塑造音乐的乐句、色彩和节奏来反映这些？ 每部小说，甚至游戏，都提供了一个独特的世界。例如，《西游记》具有情节性、常常充满奇想的能量，我通过动态对比和节奏变化来解读。《红楼梦》则带来更内省、诗意的语调，因此我专注于质感的细腻和细微差别。《黑神话：悟空》则从这些传统故事中汲取灵感，但通过现代、电影化的视角呈现。这促使我更多地从视觉和戏剧的角度思考——如何建立张力，如何创造规模感和神话感。 在整个过程中，我与乐团密切合作，确保我们不仅仅是在演奏音符，而是在体现角色和景观——无论是孙悟空的顽皮，林黛玉的悲剧，还是战斗场景的史诗气势。指挥这个节目就像是用音乐作为连接它们的语言，为古代和现代的传奇注入生命。 晓宇：与被联合国教科文组织列为非物质文化遗产的贵州侗族大歌合唱团合作，您有何感受？ Luke Spicer：与贵州侗族大歌合唱团的合作是一种非凡的体验。作为指挥，我以对他们的音乐传统的深深敬意来对待这次合作，特别是考虑到他们被联合国教科文组织列为非物质文化遗产的地位。他们的歌唱不仅仅是音乐——它是社区、历史和身份的活生生的表达。 从一开始，我就被侗族多声部合唱的自然、无伴奏的和声所打动。这让我以不同的方式思考平衡和质感。他们的声音不是建立在西方和声的传统上，因此我不是试图将他们纳入交响乐的模式，而是努力构建一个支持和放大他们真实性的交响空间。这通常意味着退后一步，让他们的声音引领，并围绕他们重新塑造乐团的角色。 最有价值的方面之一是他们的排练和表演方式——作为一个集体，具有直觉的时机和呼吸。我发现自己在调整指挥风格，变得更加流畅，更多地倾听而不是指挥。这不仅仅是关于精确性，而是关于存在感。在每一个时刻，这种合作感觉就像是通过声音进行的文化交流。我们不仅仅是在融合传统——我们在彼此学习，创造出既古老又新颖的东西。这令人谦卑，鼓舞人心，也提醒我为什么我热爱这份工作。 晓宇：您领导着来自不同文化和音乐背景的70多位音乐家。在排练过程中，您是如何建立共同的音乐语言的？ Luke Spicer：领导来自不同文化和音乐背景的70多位音乐家既是一种特权，也是一种创造性的挑战。在排练中，我的首要任务是创造一个相互尊重和好奇的空间。这些音乐家带来了各种各样的传统、技巧和聆听方式，因此我既是翻译者，也是统一者——帮助我们找到共同的音乐语言，而不要求任何人失去自己的身份。 晓宇：您认为这种文化合作对交响乐的未来有何意义？ Luke Spicer：我相信，这样的合作通过重新定义交响乐团的可能性，拓展了交响乐的未来。当来自不同文化背景的音乐家聚集在一起时，我们不仅仅是在融合风格——我们在挑战长期以来对声音、结构和讲故事的假设。这些交流为音乐会体验注入了新的活力，引入了与西方古典传统同样丰富和复杂的陌生音色和音乐制作方式。 更重要的是，这种合作培养了一种开放的精神——在音乐和社会层面。它邀请作曲家、表演者和听众想象新的可能性，在那里，文化交流成为创造的引擎，而不是新奇。作为指挥，我将其视为朝着更具包容性和全球相关性的交响乐景观迈出的一步——一个反映我们世界多样性，并有能力跨越边界和世代连接人们的景观。 当我们站在这场音乐盛会即将拉开帷幕的门槛上，那些尚未奏响的旋律、尚未交汇的眼神、尚未被打动的心，正静静等待属于它们的时刻。《Folk Reimagined: East in Symphony》不仅是一场演出，它是一次文化的邀约，是一场用声音谱写的对话。 在这个变动不居的时代，我们或许更需要这样一场音乐的“重构”——不是将旧物推倒重来，而是以尊重与热情，在旧与新、东方与西方之间，搭建起更辽阔的桥梁。而这，正是这场音乐会最动人的意义所在。 演出信息 演出时间： 2025年7月7日 19:30 演出地点： 悉尼歌剧院 票价： $71起
2025年6月4日傍晚，细雨不断，气温低迷。尽管天气寒冷潮湿，但在中国驻悉尼总领事馆门前，烛光仍缓缓亮起。在“澳纽中共政权受害者联盟”的号召下，来自中国大陆、香港、台湾、西藏、维吾尔等多个社区的约三百名人士，不畏寒雨聚集一堂，共同纪念“六四”事件36周年。这是一场跨越地域与身份的公民行动，更是一场跨越时代的精神接力。 （2025年六四事件纪念活动现场。图：晓宇） 2025年是“六四”天安门事件的第36个年头。对于不少华人而言，那一夜的记忆仍清晰如昨，而当晚的悉尼，用寒冷与雨水提醒着人们：历史或许久远，但未曾过去。人群中既有年年不缺席的老面孔，也不乏带着坚定眼神的年轻一代。他们共同在雨中站立，用蜡烛、横幅与歌声，纪念那个鲜血淋漓的夜晚，也诉说着今日的希望。 （2025年六四事件纪念活动现场。图：晓宇） 据气象台数据显示，6月4日是悉尼近期最寒冷的一天，最高气温仅11度，间歇性降雨贯穿了整个傍晚至夜晚。然而，恶劣的天气并未浇灭民众的热情。游行活动于晚上6点开始，约300人陆续聚集至中领馆外，不少人携带雨衣、雨伞及手电筒，更有不少年长者与小孩一同前来。 （2025年六四事件纪念活动现场。图：晓宇） 现场的演讲者涵盖各个族群与世代，活动主持人陈用林在讲话中指出，这不仅是一场对过往历史的缅怀，更是对今日时代精神的传递。他说：“我们不只是为了纪念1989年的那一夜，而是在向世界宣告：我们仍在场，我们仍相信自由、民主、人权。” （活动主持人陈用林，图：晓宇） （台湾同乡会会长谢明君会长。图：晓宇） （2025年六四事件纪念活动现场。图：晓宇） 人群中，来自香港的陈先生告诉记者，自己已经连续多年参加悉尼的“六四”纪念活动：“我在1997年以前，每年都去维多利亚公园参加悼念。移民来澳洲后，每年也都不缺席。今年是第36年，我感到很欣慰，看到这么多年纪轻轻的朋友们加入进来，接过这面旗帜。”他表示，除了六四，他平时也在积极参与其他民主活动。 悉尼科技大学教授冯崇义教授在接受本报采访时称，“六四”纪念活动具有三层深远意义：“第一，是缅怀成千上万在1989年牺牲的英烈；第二，是继承那场运动所代表的时代精神——追求民主、自由、法治，这不只是中国人的精神，更是一种全球性的信仰；第三，是反思与学习——那场运动为何未能成功？我们如何才能在今日的现实中继续推进它未竟的事业？” （悉尼科技大学教授冯崇义教授，图：晓宇） 他特别感谢当晚众多年轻人的参与。“在中共长期的打压下，人们逐渐陷入恐惧与冷漠，尤其是近几年疫情之后，我们看到政府对人民控制的方式愈发深化。此刻还有这么多年轻人站出来，这让我倍感欣慰。” 弘藏南极星基金会执行长夏益告诉记者，他1989年就来到澳洲，几乎每年都会参加六四的纪念活动。“读书的时候有一两年错过了，但总体来说已经参加了三十年了。”他说自己是一名普通上班族，当天是下班后赶来的，风雨无阻。 澳大利亚维吾尔协会发言人Bahtiyar Bora对本报记者表示，“我已经是第五年参加这样的纪念活动了，今年看到这么多人一起来，真的非常感动。我们来自不同的地方——西藏、香港、台湾、维吾尔族、蒙古族——但我们有一个共同的理想，那就是自由。” （澳大利亚维吾尔协会发言人Bahtiyar Bora，图：晓宇） 这样的纪念活动不仅仅对在中国大地上生活的人意义非凡，“而是针对世界上所有追求民主，追求自由的人。今天我们在这里纪念的，不只是六四的英烈，更是为了让下一代能过上自由、公正、有尊严的生活。” 活动中，也有不少年轻人参与。一对来自香港的情侣告诉记者，他们已经是第五次参加六四纪念。“我们希望通过这种方式，不要让历史被遗忘。每一次参与，都是一次自我提醒：我们不是旁观者。”他们相信，纪念活动的意义在于“铭记过去、激励现在”，也是一种代际之间的信仰传承。 活动在晚间约八点半接近尾声。人们手中亮起电子蜡烛，围绕中国驻悉尼总领馆缓缓走了一圈。烛光反射在湿漉漉的地面上，仿佛是一条缓慢流动的河——一条连接记忆与未来的河流。 （2025年六四事件纪念活动现场。图：晓宇） “六四”事件已经过去了36年，对于今天出生的年轻人来说，那可能是一页陌生的历史。但每年的纪念活动仍在提醒我们，它仍是活着的记忆。它穿越时间，被一代代人悄悄接住。纪念不是仇恨的延续，而是公民意识的种子。当我们在雨中站立，不是为了回到1989年，而是为了在2025年，依然能说出：我们记得。 在这个信息被审查的时代，表达本身就是一种抵抗。在这个容易遗忘的世界里，纪念是一种坚持。在漫长的冬夜与风雨之中，300人用自己的方式回应了这段历史。他们的脚步或许缓慢，他们的声音或许不够响亮，但那一圈绕馆的烛光，已经照亮了一代人的坚守与希望。
在华灯初上的悉尼港湾，当音乐在歌剧院穹顶下缓缓响起，一场关于爱情、权力与智慧的喜剧风暴即将席卷而来。2025年7月31日至8月27日，由澳大利亚歌剧院（Opera Australia）倾情呈现的莫扎特经典歌剧《费加罗的婚礼》（The Marriage of Figaro）将在琼·瑟泽兰剧院（Joan Sutherland Theatre）盛大上演，邀观众走入17世纪的贵族庄园，在荒谬错认与精妙设计中，体验人性中最幽默又最真实的篇章。 《费加罗的婚礼》是莫扎特最具代表性的歌剧之一，改编自法国剧作家博马舍的同名戏剧，讲述聪明机智的仆人费加罗与美丽侍女苏珊娜即将步入婚姻殿堂之际，却意外卷入主子——风流不羁的阿玛维瓦伯爵——的觊觎和阴谋。故事发生在仅仅一天之内，却层层翻转、错综复杂，真假身份混淆不清，谎言与真情交织成一幅喜剧的狂想曲。 在这部“看似闹剧、实则锋利”的作品中，莫扎特不仅用流畅动听的旋律描绘情感变化，更在音乐背后，讽刺了权贵的专横、表达了对自由与爱情的讴歌。那一曲曲耳熟能详的旋律，如《给我一个小夜曲》《美丽时光将如梦一般到来》，不仅是歌剧舞台上的不朽旋律，也是穿越时间的情感共鸣。 此次澳大利亚歌剧院倾力邀请多位国际与本土实力歌唱家联合出演，堪称一场声音的饕餮盛宴。加拿大男中音Gordon Bintner与美国男低音Michael Sumuel将首次登上澳洲舞台，饰演费加罗与伯爵。而本土明星如Kiandra Howarth、Siobhan Stagg、Emily Edmonds和Jane Ede，也将分别出演苏珊娜、伯爵夫人及其他关键角色，为这部群像剧注入多彩灵魂。 本次演出由久负盛名的英国导演大卫·麦克维卡（Sir David McVicar）执导，他以写实自然的舞台风格著称，将17世纪欧洲贵族生活的细节还原得淋漓尽致。观众将沉浸于层层叠叠的裙摆、古典油画般的布景，以及如同机关戏一般的舞台调度之中，仿佛真的走入一座贵族庄园的婚礼现场。 作为莫扎特最容易入门的歌剧之一，《费加罗的婚礼》以生动的剧情和朗朗上口的旋律赢得全球观众喜爱。它没有晦涩的哲理，也不需前置的专业知识，只需带上一份好奇与一颗放松的心，就能在剧院中获得愉悦、惊讶与感动。 无论你是第一次踏入歌剧世界，还是已经沉醉于古典音乐的魅力，这一场《费加罗的婚礼》，都将是2025年冬季不容错过的艺术盛事。 而此次，小编也为读者朋友们争取到了福利！您只需要将您的邮箱、姓名以短信的形式发到我们的客服手机号上0466 979 437。我们会在7月28日前抽出两位幸运的读者朋友，每人送上一份免费的双人票。 演出地点：Joan Sutherland Theatre, Sydney Opera House 演出时间：2025年7月31日 – 8月27日（具体场次请参考官网） 购票方式：请前往 Sydney Opera House 官网 或 Opera Australia 官方渠道订票
当你站在冬日灰蓝色的墨尔本街头，不妨想象这样一个画面：窗外微光斜洒，一幅幅百年前的画作静静铺展开来，流动的笔触仿佛仍在呼吸。这不是梦，而是2025年Melbourne Winter Masterpieces®系列的重磅展览——《French Impressionism》，即将于维多利亚国家美术馆（NGV International）隆重呈现。 这场展览由波士顿美术馆（Museum of Fine Arts, Boston）与NGV联手策划，精心挑选了100多幅印象派与后印象派的代表作品，包括莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、马奈、卡萨特、莫里索、塞尚、西涅克等艺术巨匠的真迹。 这些名字，构成了19世纪法国艺术史上最为鲜活的一页。他们不甘墨守成规，勇敢挑战传统学院派绘画，将日常的光影、流动的情绪和短暂的片刻化作永恒的艺术。他们的作品不仅开启了现代艺术的篇章，也改变了人们观看世界的方式。 这次展览将围绕十个主题单元展开，涵盖风景、肖像、都市风貌与日常生活场景，并引入艺术家的私人信件、日记和言论，让观众走进他们的精神世界，感受那场悄然改变艺术史的风暴。 更令人期待的是，展厅设计将复刻19世纪美国东海岸收藏家的私宅空间，融合印象派画家们钟爱的自然场景与画室氛围，为参观者带来如同走入画中世界般的沉浸式体验。 对墨尔本而言，这是一次罕见的文化盛事；对观众而言，则是一次与经典对话、与色彩共振的旅程。 而此次，小编也为读者朋友们争取到了福利！您只需要将您的邮箱、姓名以短信的形式发到我们的客服手机号上0466 979 437。我们会在6月16日前抽出一位幸运的读者朋友，送上一份免费的Family Pass。 展览信息一览： 展览名称： French Impressionism – Melbourne Winter Masterpieces® 2025 展览地点： NGV International （180 St Kilda Road, Melbourne） Ground Level 展览空间 票价： 成人 $50 / 会员 $44（+ $5.50 预订手续费） 数量有限，建议提前订票 开放时间： 6月6日起，每日 9am – 5pm 订票方式： 官网购票：www.ngv.vic.gov.au 在这个冬季，不妨留一段安静的时间给自己，走进NGV，让色彩与光影温柔包围你。那一笔蓝、那
在当今科技主导的时代，真正能够让人心跳加速、屏息凝神的现场奇观并不多见，而杰克森·艾西斯（Jackson Aces）的魔术秀《BEYOND POSSIBLE…LIVE》无疑是其中最令人期待的一个。继去年在悉尼歌剧院的演出场场爆满之后，这位澳洲魔术大师即将于今年5月到8月间再度踏上舞台，横跨悉尼、墨尔本与彭里斯三地，继续书写他挑战现实边界的魔法传奇。 杰克森·艾西斯是一位集黑暗艺术、错觉幻象与调皮幽默于一身的魔术大师。在他的演出中，扑克牌如幽灵般从空中瞬间出现又消失无踪，观众心中刚升起的疑问便被下一个不可思议的画面彻底打断。他的表演不仅令人瞠目结舌，更时常让观众在惊叹中发笑，在轻松中震撼。 正如《今日娱乐》的理查德·威尔金斯（Richard Wilkins）所说：“他是世界上最受欢迎的魔术师。” 澳大利亚板球传奇史蒂夫·沃（Steve Waugh）也大呼：“他令人震惊，太惊艳了！” 音乐人Delta Goodrem、节目主持Kylie Gillies、橄榄球教练Brad Fittler等各界名人都曾被他的魔力征服。 一副扑克牌点燃魔术人生 杰克森的魔术之路起于一个平凡而感人的瞬间。12岁生日那天，他的母亲送给他一副魔术扑克牌，没想到就此打开了他通往奇幻世界的大门。小时候，杰克森常陪伴生病的母亲在病床边玩牌，那种纸牌的手感、声响和气味，成为他童年最深的情感寄托。 为了追求极致，他曾每天练习超过十小时，早在高中毕业前，便掌握了全球仅有少数魔术师能驾驭的高级扑克牌技巧，并首创出融合花式技巧与艺术性的“卡片艺术”（Cardistry）。这种将魔术与艺术完美融合的技法，使他迅速在魔术圈内脱颖而出，被誉为“卡片之王”。 舞台上的绽放：不仅是魔术，更是叙事艺术 杰克森·艾西斯的舞台魅力远不止炫技。他的魔术秀是一场场情绪与节奏并重的表演，从初次亮相的惊奇，到高潮时的全场屏息，再到结尾时观众带着震撼离场，每一场都是一段视觉与心灵的旅程。 他善于通过讲述自己的人生片段，将抽象的魔术具象化为感情的延伸。观众看到的不是简单的戏法，而是一个个关于成长、坚持与想象力的故事。他曾说：“魔术并不是为了欺骗你，而是为了让你相信，即使在这个充满现实逻辑的世界中，奇迹依然存在。” 三地巡演，奇迹再临 此次《BEYOND POSSIBLE…LIVE》的三地巡演，将从5月23日珀斯Evan Theatre揭幕，在冬季高峰迎来重磅回归——7月30日至8月2日重返悉尼歌剧院，并于7月26日进军墨尔本Crown的The Palms剧场。 三场演出场地各具特色，而杰克森也将为每座城市准备不尽相同的惊喜，让观众即使是二刷、三刷，也能感受到全新的魔法体验。这不仅是一次演出，更是一场不容错过的视觉与心灵盛宴。 而此次，小编也为读者朋友们争取到了福利！您只需要将您的邮箱、姓名以短信的形式发到我们的客服手机号上0466 979 437。我们会在7月21日前分别在悉尼和墨尔本抽出1位幸运的读者朋友，每人送上一份免费的Family Pass。 票务信息如下： 📍 珀斯 Evan Theatre 🗓️ 演出日期：2025年5月23日（星期五）晚8点 🎫 购票平台：Ticketek 📍 悉尼歌剧院 Playhouse剧场 🗓️ 演出日期： 7月30日（周三）晚7点 7月31日（周四）晚7点 8月1日（周五）晚7点 8月2日（周六）下午2点 & 晚7点 8月3日（周日）下午3点 🎫 购票平台：sydneyoperahouse.com 📍 墨尔本 The Palms at Crown 🗓️ 演出日期：2025年7月26日（星期六）晚7点半 🎫 购票平台：Ticketmaster（3月27日起开放） 魔术不只是戏法，而是一种关于希望、想象与惊喜的诗意表达。在《BEYOND POSSIBLE…LIVE》中，杰克森·艾西斯将带你穿越现实与不可能的边界，用一副扑克牌重塑你对世界的理解。让我们一起相信魔法，再次心动。
走进Alexandria这个越来越有格调的创意社区时，很难不被眼前一栋低调却精致的建筑所吸引。这里是Soak Bathhouse刚刚在悉尼开出的全新据点，一个将北欧极简美学与日式温泉哲学悄然融合的疗愈空间。没有过多浮夸的装饰，也不急于向你“推销”什么，只是一池池温润的水、一室室被阳光轻柔浸染的静谧，为城市中的我们，提供了一个真正可以松一口气的地方。 Soak，这个名字翻译成中文就是“浸泡”。没有比这更贴切的意象了。在这里，时间仿佛慢下来，日常的喧嚣被隔绝在玻璃门之外，留下的是一片属于身体与心灵的水之境。 Soak Bathhouse 最初在黄金海岸与布里斯班掀起了一阵“社交泡汤”热潮，一个可以“与朋友相约一起泡澡”、边泡边聊甚至边打卡的城市社交新场域。而这股热潮，如今终于流进了悉尼人的生活里。 新开的Alexandria门店，占地700平方米，设有六个温度不一的泡池，配有冰浴、桑拿、蒸汽房与可预约的按摩服务。空间的整体设计是极简而温柔的——木质调、石材、绿植，大面积的自然光投射在水面上，就连空气里仿佛都带着一种“请深呼吸”的暗示。 这里不只是身体放松的地方，更像是情绪与神经的“安全出口”。对工作压力日积月累的都市人来说，这样的场所，无疑是一个恰到好处的“暂停键”。 在Soak Bathhouse，你会感受到一种少见的“轻盈感”。没有冗长的流程、没有厚重的仪式感，也没有过于拘谨的空间安排。你可以像进一家设计咖啡馆一样轻松走进来，在员工温和的微笑中换上浴袍和拖鞋，然后自由决定今天要如何享受这一小时。 桑拿和蒸汽房是许多回头客的“保留项目”。如果你敢挑战自己，不妨试试极受欢迎的“冷热交替法”——泡完热池之后跳进冰水浴，再去蒸房出汗，一个循环之后你会发现身体从未如此“干净”，连脑袋里的杂念也像被清洗了一遍。 在快节奏、信息爆炸的城市生活中，我们越来越习惯效率、追求成果，渐渐忽略了身体和心的需求。而Soak Bathhouse的存在，提醒我们：慢一点、轻一点、感受多一点。 它不强调“改变生活”，也不许诺“疗愈所有问题”，它只是默默提供一个空间，让你有机会，重新认识“放松”这件事的意义。 在Soak Bathhouse的水汽缭绕中，人们放下手机，放下外壳，在热气氤氲的空间里，重新变得柔软。而也许，真正的“奢侈”，从来不是昂贵或稀缺，而是这样一段属于自己、可以什么都不做、只是好好“泡着”的时光。 地址： Soak Bathhouse Alexandria 50 McEvoy Street, Alexandria NSW 2015 营业时间： 周一至周日 6am – 10pm 官网：soakbathhouse.com.au
