臺灣歌曲與原住民族文化驚艷Woodridge州立中學學生
2026 年 6 月 24 日
在悉尼皇室劇院（Theatre Royal）的燈光逐漸熄滅之際，觀眾席緩緩沉入黑暗。舞台上，一道銀藍色的月光灑落，貓們悄然現身，輕盈、柔軟、神秘，帶領我們踏入一場時光的夢境——《貓》（Cats），這部音樂劇史上的不朽傳說，在2025年迎來其輝煌的第四十個年頭。 《貓》由安德魯·勞埃德·韋伯（Andrew Lloyd Webber）作曲，根據英國詩人T.S.艾略特的詩集《老負鼠講給小貓的貓經》改編，自1981年在倫敦西區首演以來，便迅速席捲全球。它曾連續上演21年，是當時倫敦和百老匯最長演出的音樂劇之一，贏得了7項托尼獎、2項奧利弗獎，並在1997年憑藉票房收入刷新音樂劇歷史。如今，《貓》的名字不僅是一部劇目的代稱，更成為音樂劇文化的一個符號。 這是一部沒有傳統意義上「情節」的音樂劇，卻因其極具詩性和舞台張力的結構，成就了自己獨特的敘事美學。劇中由「傑里克貓」（Jellicle Cats）組成的貓群聚集在一處破敗的垃圾場中，在一年一度的「傑里克之夜」講述著各自的故事。最終，一隻貓將被選中，升上「重生層」，開啟新生。 而這些「貓」的故事，不只是表演者在舞台上的靈動身體，而是他們用音樂、歌聲與肢體，投射出人性中最本質的慾望與孤獨、榮耀與衰敗、夢想與時間。 悉尼的這場40周年紀念演出，是澳洲版《貓》的又一次盛大回歸。舞台復刻了原版的懷舊垃圾場布景，卻融入了更豐富的光影與技術表達。在傳統中找尋更新的觸覺，是這一版《貓》的核心語彙。舞檯燈光彷彿一輪輪月光的轉移，從昏黃破碎的晨曦到銀色傾瀉的午夜，使整個劇院成為一幅靈動的貓之畫卷。 扮演格里澤貝拉（Grizabella）的演員令人動容。這個曾被貓群流放的老貓，在《Memory》的旋律中回望過往的榮光，歌聲中透出的不是一時的悲傷，而是一種極其成熟的內省與孤獨。她的眼神，她的聲音，她顫抖地向同伴們靠近的步伐，讓全場幾乎同時屏息。當那句「This time will be different」再次響起，你幾乎可以感到一個時代在她指尖滑落。 而這也是《貓》始終在舞台上長存的原因——它並不提供結局，而是讓觀眾參與叩問：何為記憶？何為歸屬？我們每個人是否都是一隻尋找「重生之夜」的貓？ 演出特別注重身體的表現與舞蹈的多樣性。年輕演員們以爵士、現代舞、芭蕾、踢踏等多種技法描繪出每隻貓的性格輪廓：愛炫技的Rum Tum Tugger，古靈精怪的Mr. Mistoffelees，曾經風光無限的Bustopher Jones……每一位演員不僅是一隻貓，更是一種能量的象徵。他們在地面翻滾、跳躍、盤旋，如風般迅捷，如月般溫柔。 悉尼的觀眾也給予了最熱情的回應。演出期間，掌聲常常打斷尾音，尤其在Grizabella重唱《Memory》後，觀眾席響起了長達數分鐘的鼓掌。這種跨越語言、文化、代際的共鳴，正是《貓》魅力所在——它能喚起人們心底的某種情感原型，即便你從未讀過艾略特、不了解音樂劇史，也能在貓眼流光中，看見自己的影子。 走齣劇院的那一刻，月亮正好升起在喬治街的盡頭。你會突然意識到：我們並不是剛剛「看完」了一場劇，而是與貓們一同度過了那個等待重生的夜晚。那種感覺，就像是內心的一塊塵封記憶，被輕輕吹開。你不再只是觀眾，而是參與者。 在《貓》四十周年之際，它再次用細膩的感情與紮實的舞台語言證明了自己的不朽：經典不是因為被不斷重複，而是每一次出現都能重新被理解。悉尼的這場演出，不只是一次回顧，更像是一次溫柔的更新，一封寫給過去與未來的情書。 演出信息： 演出名稱：《貓》音樂劇40周年紀念版 演出地點：悉尼皇室劇院（Theatre Royal Sydney） 演出時間：即日起至2025年8月24日
在悉尼繁華的都市心臟地帶，歷史悠久的Capitol劇院再次迎來了經典音樂劇《安妮》（Annie）的上演。這部自1977年首演以來便深受觀眾喜愛的作品，以其動人的旋律和溫暖人心的故事，跨越時代，持續感動著一代又一代的觀眾。 《安妮》的故事背景設定在20世紀30年代經濟大蕭條時期的紐約市。主人公安妮是一位樂觀堅強的小孤女，她在由刻薄的漢尼根小姐（Miss Hannigan）管理的孤兒院中生活。然而，安妮始終相信她的父母有一天會回來接她。一次偶然的機會，億萬富翁奧利弗·沃巴克斯（Oliver Warbucks）決定在聖誕節期間收養一名孤兒，以展示他的慈善之心。安妮因此被選中，進入了一個全新的世界。 在沃巴克斯先生的幫助下，安妮展開了尋找親生父母的旅程。與此同時，漢尼根小姐與她的同夥策划了一系列陰謀，試圖利用安妮謀取私利。最終，真相大白，安妮不僅揭露了漢尼根小姐的惡行，還找到了真正關心她的人，收穫了家庭的溫暖和愛。 自首演以來，音樂劇《安妮》獲得了多項殊榮，包括1977年托尼獎的最佳音樂劇、最佳音樂劇劇本和最佳原創音樂等七項大獎 。這些獎項不僅肯定了該劇的藝術價值，也證明了其在觀眾心中的地位。 此次在悉尼Capitol劇院的演出，延續了《安妮》一貫的高水準製作。舞台設計精巧細膩，生動再現了1930年代紐約的街頭風貌。從孤兒院的簡陋環境到沃巴克斯豪宅的奢華布置，每一處細節都經過精心打磨，營造出強烈的視覺衝擊力。 演員們的表現同樣令人矚目。飾演安妮的小演員以其純真的嗓音和自然的表演，成功詮釋了這一經典角色。她在舞台上散發出的活力與熱情，感染了在場的每一位觀眾。飾演沃巴克斯先生的演員則以沉穩的颱風和深情的演繹，展現了角色內心的轉變和對安妮的深厚情感。 值得一提的是，劇中安妮的忠實夥伴——狗狗桑迪（Sandy）的出場，為整部劇增添了不少亮點。桑迪的扮演者，一隻經過專業訓練的狗狗，在舞台上的表現可圈可點。它與安妮之間的互動自然流暢，展現了人寵之間深厚的情感紐帶。 音樂方面，《安妮》擁有多首膾炙人口的經典曲目，如《Tomorrow》和《It』s the Hard Knock Life》。這些歌曲旋律優美，歌詞富有感染力，至今仍被廣泛傳唱。在此次演出中，演員們以飽滿的情感和精湛的唱功，重新演繹了這些經典之作，喚起了觀眾的美好回憶。 此外，劇中的群舞場面編排巧妙，演員們的默契配合和精湛舞技，為觀眾呈現了一場視覺與聽覺的雙重盛宴。特別是在孤兒院的場景中，孩子們通過歌舞展現了她們對自由和美好生活的嚮往，令人印象深刻。 《安妮》之所以能夠歷久彌新，除了其動人的故事和優美的音樂外，更在於它傳遞出的積極向上的價值觀。安妮以她的樂觀和堅韌，告訴我們即使在最困難的時期，也要相信明天會更好。這種精神在當下尤為珍貴，激勵著人們勇敢面對生活的挑戰。 總的來說，悉尼Capitol劇院此次上演的《安妮》無論在製作、表演還是音樂方面，都展現了極高的水準。觀眾在欣賞這部經典之作的同時，也被其中傳遞的希望和愛的力量所感動。對於喜愛音樂劇的觀眾而言，這無疑是一場不容錯過的演出。
在愛情的童話中，我們總習慣於聽見悠揚的旋律，見證兩顆心靈交匯時的絢爛。但當現實的浪潮洶湧襲來，旋律會否戛然而止？音樂劇 《No Love Songs》 就是這樣一部作品，它剖開了親密關係最隱秘的角落，在音樂與沉默的交錯之間，訴說那些無人願言的情感暗流。 改編自創作者 Kyle Falconer 和 Laura Wilde的真實經歷，這部作品不僅僅是一場舞台上的表演，而是一段對親密關係、家庭責任和個體掙扎的深刻剖析。在導演 Andrew Panton 與 Tashi Gore 的掌舵下，它以一種近乎赤裸的方式呈現產後抑鬱的現實，直面愛情如何在新生命降臨後發生裂變。而當音樂響起，我們才驚覺，有些愛情，或許天生無法被譜成歌。 《No Love Songs》 講述了 Lana 與 Jessie這對看似平凡的戀人如何在育兒的巨大變革中逐漸失衡。新生命的誕生本該是喜悅的起點，然而，對於Lana而言，它卻成了情感漩渦的中心。她在夜晚無法入眠，在清晨無法微笑，過去相愛的輕盈感已消失無蹤，取而代之的是深沉的疲憊與孤立感。 劇本以極為真實的筆觸描繪了產後抑鬱如何吞噬一段感情。Lana的每一次沉默，Jessie的每一聲嘆息，都是現實生活中無數情侶曾經經歷或即將面對的時刻。沒有刻意渲染的戲劇衝突，只有生活本身的重量緩緩下沉，讓人無從逃避。 演員 Keegan Joyce 和 Lucy Maunder在這場關於愛與疏離的較量中，各自展現了令人印象深刻的表演。儘管他們的舞台化學反應稍顯冷淡，但正是這種克制，讓這場婚姻中的孤獨感更顯真實。Lucy Maunder 將Lana的痛苦表現得細膩入微，從最初的不安，到漸漸崩潰的絕望，她的每一次顫抖、每一次望向Jessie卻欲言又止的眼神，都是無聲的吶喊。而 Keegan Joyce 則精準地演繹了一位被愛人拒之門外的伴侶，那種無助、憤怒卻又不舍的拉扯，令人動容。 作為一部音樂劇，《No Love Songs》 在音樂表達上的選擇尤為大膽。Mark Chamberlain的音樂指導保持了高水準，配樂與旋律簡潔而富有層次感，並未刻意渲染華麗的情緒，而是更像一面鏡子，映照出角色最真實的心理狀態。然而，這部作品的特殊之處在於——它並不刻意用音樂來彌合痛苦。 從某種角度來看，這部劇對音樂劇的「傳統」進行了挑戰。當愛情破碎時，旋律是否依然能安慰人心？ 許多音樂劇會通過抒情的旋律來引導觀眾進入一種美好的幻象，但 《No Love Songs》 反其道而行，它在音樂中呈現的不是救贖，而是無法言說的情感缺口。Jessie 試圖用歌聲找回 Lana，而Lana卻在旋律中愈發沉默，觀眾能在他們的每一首歌中聽見愛情的裂縫逐漸擴大。這種「反常」的音樂敘事手法，使得劇中的每一次合奏都更具張力，每一個停頓都更具分量。如果說它是一首歌，那它更像是一首單調重複的哀歌，讓人感受到痛楚，卻難以被真正帶入其中。對於喜歡戲劇化衝突的觀眾而言，它可能略顯乏味，但對於願意細細品味情感細節的人來說，它卻提供了一種罕見的沉浸體驗。 如果說迪士尼的愛情故事教會我們相信永恆的美好，那麼 《No Love Songs》 則無情地揭示了現實愛情的脆弱本質。它用音樂劇的形式，拆解了我們對於親密關係的幻想：愛從來不是童話，它是不斷磨合的旅程，是在現實的摧殘下仍願意扶持彼此的勇氣。 它不討好觀眾，也不試圖製造戲劇性的高潮，而是用一種極為克制的筆法，呈現愛情在現實中的掙扎。它或許不是一部傳統意義上的「娛樂作品」，但它的真實、它的赤裸、它的直面痛苦，反而讓它在一眾華麗的愛情故事中獨樹一幟。 或許，當燈光暗下，當最後一首歌的尾音消散，我們會意識到——真正的愛情，從來不是一首優美的情歌，而是一場不見終點的對話。
有些愛情被書寫成詩，有些愛情被譜寫成歌，而有些愛情——無需任何情歌。它們在生活的裂縫中生長，在沉默里迴響，在現實的重量下被打磨出最真實的光澤。這就是《No Love Songs》想要講述的故事。 這部風靡歐美的音樂劇，即將在 2025年3月7日至4月13日 登陸悉尼 Foundry Theatre（Sydney Lyric 劇院內），為這座城市帶來一場直擊心靈的情感風暴。不同於傳統浪漫音樂劇的甜美夢幻，它用一首首撕心裂肺的旋律，剖析愛與成長的艱難課題，讓每一位觀眾在其中看到自己的影子。 「如果愛情有配樂，它一定不會只是甜美的旋律。」 《No Love Songs》是一場關於愛情、家庭和現實的旅程。它講述了一對年輕戀人 Jessie和 Lana的故事：他們曾是彼此生命中最絢爛的光，懷揣著夢想，在彼此的世界裡寫下最美的詩篇。然而，當新生命的降臨打破了原有的平衡，現實開始展露它的稜角。 《No Love Songs》 Jessie 是一名才華橫溢的歌手，當他的音樂事業迎來轉折點，機會讓他遠赴美國，而 Lana 則留在家中，獨自面對養育新生兒的挑戰。從最初的甜蜜，到長夜裡的崩潰與孤獨，他們的關係漸漸被拉扯、消耗…… 曾經以為堅不可摧的愛，還能否撐過這些日常的瑣碎？那曾經點燃彼此的火花，是否足以溫暖這段漸行漸遠的關係？ 不同於傳統的浪漫敘事，《No Love Songs》沒有給予童話式的答案，而是用最赤裸、最真實的方式，展現現代親密關係中的掙扎與成長。它讓我們思考，愛情究竟是什麼？是年少時的心跳加速，還是成年後的責任和選擇？當現實褪去所有濾鏡，我們是否還能認出彼此？ 整部劇的靈魂音樂，由 Kyle Falconer——蘇格蘭知名樂隊 The View 主唱親自打造。他以個人專輯 No Love Songs for Laura 為基礎，重新編排成這部音樂劇，讓音樂不再只是背景，而是情感的延伸，是未曾出口的對白，是最深藏的渴望。 從柔軟深情的旋律，到撕裂人心的吶喊，每一首歌都像是一封未寄出的信，讓人沉浸在劇中人的喜怒哀樂里。歌曲在歡笑和淚水之間穿梭，像一面鏡子，讓觀眾在每一段旋律里找到自己的情感共鳴。 《No Love Songs》自 2023 年在愛丁堡藝穗節（Edinburgh Fringe Festival）首演以來，便憑藉其深刻的主題、真實動人的故事和震撼人心的音樂，迅速成為全球矚目的焦點。從英國到紐約，所到之處皆獲讚譽，如今終於來到悉尼，為澳洲觀眾帶來最原汁原味的感動。 生活不會永遠充滿浪漫的樂章，但正是那些無言的日常、那些困境中的堅持，讓愛情更有意義。《No Love Songs》不是一場童話，它是關於你、關於我、關於每一個在現實中掙扎、在愛里成長的人。 2025年3月7日至4月13日，Foundry Theatre, Sydney Lyric，來劇院，聆聽一場沒有情歌的愛情，感受一場關於人生的告白。 而此次，小編也為讀者朋友們爭取到了福利！您只需要將您的郵箱、姓名以簡訊的形式發到我們的客服手機號上0466 979 437。我們會在2月26日前抽出兩位幸運的讀者朋友，送上一份免費的雙人票（3月7日，7.15pm場次）。 地點： Foundry Theatre, Sydney Lyric, The Star, 55 Pirrama Road, Pyrmont 演出時間： 2025年3月7日 – 4月13日 購票： www.nolovesongs.com.au
備受矚目的音樂劇《彼得與捕星者》（Peter and the Starcatcher）正在悉尼Capital Theatre上演，帶領觀眾踏上一段充滿歡笑與奇幻的旅程。這部音樂劇作為經典故事《彼得·潘》的前傳，以其獨特的敘事方式和幽默風格，重新詮釋了那個永不長大的男孩的起源。 彼得與捕星者（圖：Daniel Boud） 《彼得與捕星者》最初由迪士尼戲劇集團開發，榮獲五項托尼獎，現已在澳大利亞各地巡演。 這部劇以其獨特的幽默感和創新的敘事手法，吸引了眾多觀眾的目光。 故事的開端，觀眾被引入一個充滿冒險的世界。年輕的孤兒彼得與他的夥伴們被從維多利亞時代的英國運送到一個由邪惡的扎爾波夫國王統治的遙遠島嶼。他們對船長室里的神秘箱子一無所知，箱子里裝著珍貴的、異世界的貨物。在海上，男孩們遇到了一個名叫莫莉的早熟女孩，她是一名受訓的捕星員，明白箱子里的珍貴貨物是星辰物質，一種強大的天體物質，決不能落入壞人手中。不久後，這艘船被海盜佔領，以可怕的「黑鬍子」為首的惡棍決心將箱子和財寶據為己有，這段旅程迅速成為一場驚心動魄的冒險。 彼得與捕星者（圖：Daniel Boud） 在這場冒險中，彼得從一個無名的孤兒成長為眾人敬仰的英雄。他的勇氣、智慧以及對友情的忠誠，使他在面對危險時展現出非凡的領導才能。而莫莉，則以其聰慧和堅定，成為彼得不可或缺的夥伴。兩人的互動充滿了幽默與溫情，為整部劇增添了豐富的層次感。 彼得與捕星者（圖：Daniel Boud） 值得一提的是，飾演彼得的演員以其出色的表演，將角色的天真與勇敢詮釋得淋漓盡致。他的每一個動作、每一句台詞，都充滿了感染力，令觀眾彷彿親身參與了這場奇幻冒險。而飾演莫莉的演員，則以其精湛的演技，展現了角色的智慧與堅韌。她的表演自然流暢，令人信服地呈現了一個勇敢追求夢想的少女形象。飾演黑鬍子的演員以其誇張而富有喜劇色彩的表演，為整部劇注入了大量的笑料。他的每一次出場，都引發觀眾的陣陣笑聲。 這部劇的舞台設計非常用心，位演員和音樂家共同演繹了100個角色，操控90個木偶，展示60套服裝。從搖晃的船艙到神秘的島嶼，每一個場景都充滿了想像力，令觀眾彷彿置身於故事之中。此外，劇中的音樂元素也為故事增色不少。演員們時而以歌聲敘事，時而以音樂渲染情緒，使整部劇更具節奏感和感染力。 彼得與捕星者（圖：Daniel Boud） 《彼得與捕星者》不僅是一部充滿歡笑的音樂劇，更是一段關於成長、友情與勇氣的感人故事。它以輕鬆幽默的方式，探討了深刻的人性主題，令觀眾在歡笑之餘，亦有所思考。 在這個充滿挑戰的時代，這樣一部充滿希望與勇氣的作品，正是我們所需要的。它提醒我們，無論面對怎樣的困境，只要保持童心與勇氣，就能找到屬於自己的光明之路。因此，如果有機會，不妨走進劇場，親身體驗這場奇幻的冒險。讓我們與彼得和他的夥伴們一起，追尋星辰，探索未知的世界。 時間：至2月9日 地點：Capitol Theatre 網址：https://www.capitoltheatre.com.au/peter-and-the-starcatcher/
在悉尼的戲劇舞台上，艾瑪·賴斯（Emma Rice）執導的音樂戲劇《呼嘯山莊》如一陣狂風，席捲了整個城市。這位享譽國際的英國導演，以其大膽創新的風格和對經典作品的獨特詮釋，賦予了艾米莉·勃朗特這部不朽之作全新的生命力。她將這部哥特式小說轉化為一場充滿激情、力量和獨特戲劇體驗的音樂舞台劇，令觀眾耳目一新。 音樂劇呼嘯山莊。（圖：Steve Tanner） 艾瑪·賴斯以其標誌性的音樂和視覺風格，巧妙地將《呼嘯山莊》重新演繹。她的作品以大膽創新、富有創造力和講故事的天賦著稱，常常打破傳統戲劇的規則，創造出令人驚嘆的舞台效果。她曾擔任倫敦莎士比亞環球劇場的藝術總監，目前領導著備受讚譽的Wise Children製作公司。她的作品充滿想像力和創造力，頻繁地蔑視純粹主義，使她成為當代戲劇界最重要和最受好評的導演之一。 在這部音樂戲劇中，賴斯將約克郡的荒原擬人化，賦予其生命，使其成為故事的見證者和敘述者。通過現場音樂、民謠旋律和深情的合唱，荒原彷彿成為一個守望的存在，見證著希斯克利夫（Heathcliff）和凱瑟琳（Catherine）之間那段充滿激情與毀滅的愛情故事。這種獨特的處理方式，使得觀眾彷彿置身於荒原之中，感受到那片土地的呼吸和脈動。 故事開始於利物浦的碼頭，一個身份不明的吉普賽男孩希斯克利夫被恩蕭先生收養，帶回了呼嘯山莊。在恩蕭的女兒凱瑟琳身上，希斯克利夫找到了一個志同道合的靈魂，兩人之間燃起了熾熱的愛情。然而，命運的捉弄使他們被迫分開。 賴斯的改編以其獨特的視角，將這段複雜的兩代人糾葛的故事娓娓道來。她如同一位巧妙的編織者，抽絲剝繭，慢慢帶領觀眾理清人物之間錯綜複雜的關係。在上半場，觀眾被引入故事的世界，逐漸了解每個角色的背景和動機。而在下半場，劇情漸入佳境，情感的張力達到高潮，觀眾被深深吸引，彷彿與角色一同經歷那段激情與痛苦交織的旅程。 音樂劇呼嘯山莊。（圖：Steve Tanner） 演員們的表演可謂是精湛至極。他們不僅需要詮釋角色的內心世界，還需通過歌唱和舞蹈來表達情感。每一個動作、每一句台詞，都充滿了力量與深情。特別值得一提的是，飾演希斯克利夫和凱瑟琳的演員，他們將角色的複雜性表現得淋漓盡致，讓觀眾為之動容。 音樂劇呼嘯山莊。（圖：Steve Tanner） 舞台設計雖然簡約，卻充滿了創意。通過巧妙的布景和燈光設計，觀眾彷彿置身於呼嘯的荒原，感受到那片土地的蒼涼與壯美。賴斯善於利用有限的舞台空間，創造出豐富的視覺效果，使得每一個場景都充滿了詩意與力量。 音樂在這部戲劇中扮演了至關重要的角色。作曲家伊恩·羅斯（Ian Ross）創作的音樂，融合了民謠和現代元素，與劇情完美融合，增強了情感的表達。現場樂隊的演奏，為整部戲劇增添了活力與動感，使觀眾沉浸在音樂與故事交織的世界中。 音樂劇呼嘯山莊。（圖：Steve Tanner） 賴斯的這部作品，不僅僅是對經典的再現，更是一次大膽的創新。她將幽默與深情巧妙地結合，使得這部充滿悲劇色彩的故事，散發出新的光彩。觀眾在笑聲與淚水中，感受到人性的複雜與深沉，以及愛與恨交織的永恆主題。 總的來說，艾瑪·賴斯的《呼嘯山莊》是一部不容錯過的傑作。它以其獨特的視角和創新的手法，重新詮釋了這部經典之作。觀眾在觀劇的過程中，不僅感受到了故事的力量，更體驗到了戲劇藝術的魅力。這部作品，必將成為悉尼戲劇舞台上的一顆璀璨明珠，令人回味無窮。 時間：至2月15日 地點：ROSYLN PACKER THEATRE 網址：www.wutheringheightsaustralia.com
安德魯·勞埃德·韋伯與蒂姆·賴斯創作的經典搖滾歌劇《萬世巨星》（Jesus Christ Superstar）再次降臨悉尼Capitol Theatre。這部為紀念誕生50周年而推出的復興版，在澳洲的土地上煥發新生。這場製作不僅憑藉震撼人心的表演引人入勝，還重新審視了那段關於信仰、背叛與犧牲的永恆故事。 《萬世巨星》最初誕生於1970年，起初作為一張概念專輯發布。韋伯與賴斯通過音樂重述《聖經》中的「基督受難記」，從猶大的視角切入，打破傳統敘事，將猶大描繪為一個掙扎於信仰與現實之間的人物，而非簡單的叛徒。儘管1971年在百老匯的首演評價褒貶不一，但它卻在全球範圍內迅速獲得認可，成為搖滾音樂劇的先驅作品。 《萬世巨星》。（圖：Jeff Busby） 在澳大利亞，《萬世巨星》從一開始就展現出其文化震撼力。1972年，吉姆·沙曼與布萊恩·湯姆森導演的澳洲首演版，以充滿情感張力的搖滾風格和視覺創意，奠定了該劇在後續全球製作中的核心美學標準。 這部音樂劇以基督最後幾天的經歷為背景，從猶大的視角審視耶穌的人性與神性。猶大的質疑與困惑揭示了對耶穌教義的不同解讀，也挑戰了傳統敘事中對耶穌與猶大的道德評判。劇中不僅探討了信仰與忠誠，更揭示了權力、輿論和群體心理對人類命運的深遠影響。 與其說這是一個簡單的宗教故事，不如說是一個關於人性的悲劇。韋伯的音樂將搖滾與福音元素結合，賴斯的歌詞則精準刻畫了角色的心理深度，觀眾在音樂與戲劇的雙重衝擊下被帶入一個深邃的思想漩渦。 《萬世巨星》。（圖：Jeff Busby） 本次製作在忠實於原作的基礎上，以現代手法賦予經典新的生命。舞台設計師湯姆·斯科特打造了一個工業風多層次舞台，象徵著權力、命運與信仰之間的錯綜複雜。鋼筋結構、混凝土背景和隱約升騰的蒸汽將整個舞台化作一座燃燒著疑惑與激情的熔爐。服裝設計上，斯科特結合現代街頭風格與聖經意象，從寬鬆的運動裝到暗示文藝復興風格的禮服，賦予角色更具象化的身份表達。 導演謝德爾的創意讓每個角色的表現更具現代感。例如，猶大不再是簡單的叛徒，而是一個充滿複雜情感和理性思辨的悲劇人物；而耶穌的形象則揭示了一個明星般的公眾人物被崇拜與質疑交織的命運。 《萬世巨星》。（圖：Jeff Busby） 值得一提的是，編舞德魯·麥康尼以嘻哈與街舞為靈感，為追隨者群體編排了充滿活力卻又隱約帶有盲從意味的舞蹈，與猶大的質疑形成強烈對比。 本次演出的演員陣容令人驚嘆。邁克爾·潘特爾飾演的耶穌溫柔又充滿力量，尤其是在《Gethsemane》中的獨唱，引發全場中途起立鼓掌。扮演猶大的賈文·金則通過極具張力的表演和世界級的嗓音，完美詮釋了猶大的內心掙扎與痛苦。 《萬世巨星》。（圖：Jeff Busby） 瑪哈莉亞·巴恩斯飾演的瑪利亞以其細膩的歌聲和情感表達，為角色賦予了溫柔和深度。令人難忘的還有魯本·凱飾演的希律王，他以其舞台魅力和華麗服裝成為全場焦點。凱的表現將戲謔與深意融合，他的台詞帶有即興的幽默，讓觀眾捧腹的同時感受到角色的荒誕本質。 作為一部橫跨半個世紀的經典之作，《萬世巨星》在2024年悉尼的演出以其視聽震撼與情感深度，再次證明了其不朽的藝術價值。這不僅是一次視覺盛宴，更是對人性和社會的深刻探討。無論你是搖滾音樂劇的愛好者，還是對經典故事抱有好奇，這部劇都值得一看。 時間：至2025年1月 地點：Capitol Theatre 網址：https://www.capitoltheatre.com.au/jesus-christ-superstar/
在悉尼的Theatre Royal，舞台劇《六個皇后》將觀眾帶入了一場獨特的音樂盛宴。充滿現代流行音樂風格的演出以亨利八世的六位王后為主角，通過她們的視角，重新演繹了那段陰暗、充滿爭鬥的宮廷歲月。然而，觀眾們不再只是坐在台下觀看歷史劇，而是像置身於一場熱力四射的演唱會之中。這部音樂劇不僅是對歷史的再現，更是一場對女性力量的歌頌，讓人們得以從全新視角審視這些在歷史書中被簡化、被標籤化的女性角色。 《六個皇后》最初由作曲家 Toby Marlow 和 Lucy Moss 在倫敦創作，並於2017年首次亮相。該劇講述了亨利八世六位妻子的歷史故事，但與傳統的歷史劇不同，劇中的六位皇后並不是以悲情角色呈現，而是通過自信、幽默和活力十足的方式，講述了她們與亨利八世之間充滿戲劇性、甚至荒誕的婚姻。每一位皇后都有屬於自己的獨立音樂風格和歌曲，她們通過歌聲與舞蹈表達自己的生命與遭遇，既有令人心碎的故事，又有充滿能量的爆發。 自《六個皇后》誕生以來，憑藉其創新的演出形式和獨特的音樂風格，迅速在各大戲劇獎項中嶄露頭角，並獲得了多個獎項提名和勝利。每位皇后都擁有一首專屬的歌曲，通過不同風格的音樂將她們的經歷與情感表達得淋漓盡致。 six音樂劇。（圖：官網） 凱瑟琳·阿拉貢用強勁的音符表達對離婚的不甘與失望，安妮·博林則以挑釁的態度直面自己的命運。簡·西摩帶來的一曲溫柔深情的抒情曲，表達了她對亨利的真摯情感，令人動容。克里維斯的安妮用舞動的節奏講述她因「容貌」遭到遺棄的無奈，而凱瑟琳·霍華德的高亢旋律展現了她追求自由愛情的渴望。凱瑟琳·帕爾則以柔和的曲調道出了她陪伴亨利最後歲月的孤獨與堅持。 六位演員用動人心魄的歌聲和舞蹈，將觀眾帶入她們獨特的內心世界。每一首歌、每一個舞步，都讓觀眾更深入地理解她們的故事。這些樂曲既表達了她們的個人情感，也隱喻著她們在歷史中的地位——她們不僅是亨利八世的妻子，更是有血有肉、有愛有恨的獨立個體。 舞台設計方面，雖然《六個皇后》的舞台相對簡約，但卻通過燈光和道具的巧妙運用，創造了極具衝擊力的視覺效果。演員們的精彩表演與生動的舞蹈，配合上現代感十足的打光與舞台設計，帶給觀眾一次前所未有的視聽盛宴。值得一提的是，場上的樂隊樂隊由全女性組成，她們的演奏與舞台表演相得益彰，成為整個演出不可或缺的一部分。通過這種無聲的合作與展示，樂隊的女性成員與劇中的「皇后」們共同塑造了一場充滿活力和現代感的女性敘事，成為了這部作品中最亮眼的部分之一。 six音樂劇。（圖：官網） 《六個皇后》不僅僅是對歷史事件的再現，更是一場對女性獨立與自我認同的吶喊。在傳統的歷史敘述中，亨利八世的六位妻子往往只是他權力的象徵，只有在他的「故事」中才得以出現。然而在這部劇中，六位王后找到了屬於她們自己的「話筒」，她們的故事不再是「他的歷史」（his-story），而是「她們的故事」（her-story）。通過歌聲，她們終於將塵封的過去重述，釋放了壓抑已久的心聲。 時間：至12月28日 地點：THEATRE ROYAL SYDNEY 網址：https://www.theatreroyalsydney.com/events/season-2024/six-the-musical/
